Zimmer y Balfe con poderes deductivos: Sherlock Holmes Soundtrack

La personalidad irónica y altamente inteligente del personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle en 1887 regresa a la gran pantalla gracias a la dirección de Guy Ritchie y la productora Warner Bros. El encargado de darle vida al famoso detective privado no es otro que el dos veces nominado a los Premios de la Academia Robert Downey Jr., quien acompañado por Jude Law en el papel de su fiel acompañante el Dr. John Watson, encarna al personaje de manera vivaz e intrépida, agregándole una pieza de comicidad a la estética que la convierte en una de sus mejores actuaciones en su carrera.

La muestra creada por Ritchie es un largometraje rápido y ligero, con cortes de acción, romance, comedia e incluso terror, que aunque se adjudican la presencia de modelos de films actuales, no dejan de lado el aura central de investigación y misterio que siempre rodea al detective Holmes.

Y claro está, no puede faltar nuestra pequeña intromisión a su banda sonora, la cual forma una parte intrínseca a la integración de la historia que rodea a nuestros audaces protagonistas. El concepto general es obra de Hans Zimmer y Lorne Balfe, su aliado en el OST de Call Of Duty: Modern Warfare 2. Zimmer, compositor y productor alemán, consta de una extensa carrera en películas de alto presupuesto como The Dark Knight (en conjunto con James Newton Howard), The Rock (en adición con Nick Glennie-Smith) o The Last Samurai, así como otras películas nuevas y viejas como la trilogía de Pirates of the Caribbean, Gladiator o las adaptaciones de Dan Brown The Da Vinci Code y Angels and Demons.

La obra de los compositores alberga un aire frío pero cómodo de la Londres de 1891, donde un hechicero pone a temblar la ciudad con rituales y sacrificios que deben ser detenidos por Holmes y Watson. Ese tono impávido se ve abruptamente cortado por la excentricidad de lo que podemos llamar el tema de Holmes que, aunque burlesco y rítmico, no deja de recordarnos al tema del capitán Jack Sparrow en Pirates of the Caribbean.

Pese a este alud en la originalidad, la banda sonora se destaca por mostrar una instrumentalización adecuada a la época, que en ocasiones entrega una tonalidad menos insípida y más aguda en los momentos de suspenso, un claro recordatorio de que Zimmer es el maestro de las secuencias acción. Una versión mas longeva y maltratada (no obstante, para nada deforme) es mostrada en las formas del villano quien incauta hasta los más puros en la trama, un verdadero goce de las propiedades maquiavélicas en los arreglos musicales.

La combinación de Zimmer-Balfe es una buena muestra de lo que debe hacerse cuando se trata de momentos de investigación bajo presión, de cómo un personaje puede estar al corriente de todo y que la música parezca guiarle a través de su camino hasta la verdad.

FD

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Tezuka y Ottman: Astroboy Soundtrack

Renovada con nuevos efectos de animación 3-D, un relleno de colores y personajes nuevos de gran calidad, la historieta japonesa publicada por primera vez en 1952 de la mano de su creador Osamu Tezuka llega a la gran pantalla de manos del director David Bowers, responsable de la comedia de ratones Flush Away (Lo que el agua se llevó) en 2006. Astroboy no sólo promete un mejorado gráfico desde su primer antecesor por primera expuesto en 1963 como una serie de 20 minutos por capítulo, sino que también sirve de punto de colección para aquellos fanáticos que crecieron viendo al héroe robótico salvar la cuidad de múltiples situaciones.

El Film cuenta con una historia y un acabado visual que, a pesar de ser "simple", llena completamente las expectativas tomando planos directos y llevando al grano las situaciones de un modo convencional, tradicional pero bastante bien realizado. así mismo se puede hablar de su dirección musical.

La compocisión estuvo a cargo de John Ottman, el famoso compositor y director fílmico quien parecía estar más que a la altura para tomar la perspectiva del héroe japonés que cuenta únicamente con 13 años en la historia. La carrera de Ottman puede verse identificada en su colaboración con el director Bryan Singer para la segunda entrega de los X-men en X2: X-men United y en las adaptaciones que el compositor tuvo que realizar basadas en las pistas originales de John Williams para el film de Superman Returns del mismo director. Y por si esto fuera poco, Ottman también cuenta con un largo entramado de films que incluyen las dos secuencias de los 4 Fantásticos (Fantastic Four y 4: Rise of Silver Surfer) , Gothika, The Cable Guy o Valkyrie, última protagonizada por Tom Cruise y dirigida por Singer.

Los arreglos musicales creados por el músico americano derivan un theme muy heróico, desglosado entre aventura y fantasía, un logro que lejos de sentarse como poco complejo, da un tono de armonía entre los sucesos de la trama y los movimientos instrumentales. Por otro lado encontramos los arreglos suaves o sentimentales (que afortunadamente no consiguen una melancolía definida) airadamente influenciados por bandas sonoras de antaño como Edward Scissorshands y otras compocisiones levemente melancólicas de Danny Elfman, compositor dedicado a las excentricidades musicales cuyos esfuerzos de música suave dan frutos que superan las expectaciones del público.

Ottman logra una escenografía simple pero necesaria del marco que cubre a Astro y sus amigos a través aventuras variadas para derrotar a los villanos d ela historia, cumpliendo con las características musicales de un héroe, de un niño y de un aventurero cuyas hazañas (a modo casi de guiño) parecen tocar los bordes de la historia de Peter Pan y Pinocho al mismo tiempo. El director americano nos deja una entrada que puede bien ser un buen artículo tanto para el coleccionista de bandas sonoras como para el amante del manga creado por Tezuka.

FD

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Cumpleaños!: Top10 Momentos Score

Aprovechando el día de mi cumpleaños, me dedico a enseñarles una pequeña muestra de preferencias personales con respecto a los scores de ciertas películas que, además de llenar mis días de momentos de acción, aventuras y terror, me han inspirado a escribir historias y más allá, a crear este blog para ud. Así pues, les muestro mi Top 10 con las diez primeras pistas que llenan mi repertorio de bandas sonoras:

10.- "I Rise, You Fall". Película: Transformers: Rise of The Fallen.
Steve Jablonsky completa la secuela del film de Transformers con un imponente tono de percusiones fuertes y el theme de los autobots con pocas latencias para dar una impecable esencia de Honor, Fuerza y decisión de parte de nuestro amado Optimus Prime en contra de su antecesor y de su némesis Megatron. la música asciende en un Forte que aumenta su velocidad mientras el héroe así mismo se levanta para acabar con sus enemigos.

9.- "The Birth of Sandman". Película: Spider-man 3.
La tercera entrega del héroe que todos amamos viene compuesta por el compositor Christopher Young y apoyado por otros músicos, quienes nos traen esta hermosa propuesta de una nana sombría que pudiera facilmente haber sido llamada "Sandman's Lullaby". Entre la impotencia, el horror y la confusión, una criatura mitad hombre y mitad arena se levanta por el recuerdo de su hija y así mismo nace un nuevo héroe para nuestro querido Hombre Araña.

8.- "Anakin v.s. Obi-Wan". Película: Star Wars Episode III: The Revenge of The Sith.
Para la venganza de los Sith, el compositor John Williams lidió de manera pulida el enfrentamiento de los amigos y hermanos Jedi a través de los temas del Imperio y de la propia saga, dando a relucir una batalla que lejos de parecer eterna, se desarrolla como la propia guerra entre el bien y el mal.

7.- "All That Is Good". Película: The Watchmen.
Un contorno en el cual los héroes saben que no pueden salvar a la humanidad, enfrentándose a sus propias debilidades, Todo lo que es Bueno parece denominarnos a un estado de rendición con un minimalismo de sonidos. Los violines y la tonada de un piano se acoplan con los coros para darnos una sensación de que quizás todo sucede por una razón.

6.- "Molossus". Película: Batman Begins.
Ciudad Gótica es atacada desde varios puntos y el caos reina; Hans Zimmer se encarga de un espectacular despliegue de percusión de guerra y una imponente puesta de violas y violines que parecen vibrar en el aire de la capa de nuestro héroe mientras (con un gran suspenso) hace todo lo que está en su poder para acabar con Ra's al Ghul, el fiero y oscuro maestro de Bruce Wayne.

5.- "Science and Religion". Película: Angels and Demons.
La carrera en contra una vieja organización llamada los Illuminati, trae a Landgon a explorarlos recónditos lugares de Roma y bella arquitectura, mientras el tiempo parece estar en contra de los cardenales del Vaticano. La propuesta nos muestra una secuencia de en donde el nerviosismo, los coros iluminando un camino aparentemente oscuro y una salvación casi milagrosa y entretejido de organos con solos de violin nos demuestran la deidad y el aparente lado oscuro de la tecnología.

4.- "Souped Up". Película: Ratatouille.
El comienzo, leve y casi espontáneo de una guitarra acústica nos induce a una cocina donde los alimentos parecen volar mientras se incluye poco a poco velocidad a la mezcla y, como si nossotros mismos estuvieramos cocinando y agregando ingredientes, en el casi minuto de pista se añaden xilófonos, saxofones y otras adiciones del jazz típico de Michel Giacchino como platillos altos y bajos con una bella percusión de batería que termina en un súbito descubrimiento que nuestra "ratita" es la que está cocinando.

3.- "Prawnkus". Película: District 9.
Clinton Shorter nos trae un jarrón repleto de cultura africana, una melodía de mucha cadencia que nos muestra un lado muy espiritual de las cosas y un momento de paz en antítesis de lo que viene recibiendo el expectador. Sítaras y guitarras acústicas nos muestran con un fondo envuelto en variaciones de cuerdas la voz de un hombre de cultura aborigen su melodiosa y étnica voz cantando a la libertad.

2.- "Watch the World Burn". Película: The Dark Knight.
Quizás la más oscura de todas las visiones. Un sexteto de chellos acompasados en toques muy graves presiden (pareciendo todo esto un funeral) la puesta en escena de la caída del héroe blanco hasta su más bajo estatus: el villano. Todas las lógicas y morales son puestas en duda mientras el dolor se acrecienta en los sedientos y góticos casi cuatro minutos en los que se retuerce la verdad y se hace mucho menos soportable, hasta el punto de querer olvidarlo todo por temor a volverte loco.

1.- "A Small Measure of Peace". Película: The Last Samurai.
En la batalla final, cuando ya no queda más nada que perder, el personaje del film se percata de que solamente es el Honor de la batalla y el poder decir que la lucha por un ideal vale la pena, incluso para morir. Hans Zimmer crea en juxtaposicion la parte negra de la batalla, la caída y la derrota, para después ir al plano del Honor, de la Valía y la Amistad. El tema vuelve a decaer con el fin de un imperio que lideró por miles de años la antigua Japón, y que ahora parece desaparecer con el clamor del último Samurai, quien mal herido y sonriente, da a explicar que todos tiene su destino en la vida. En una nota personal, colocó esta pieza como número uno por su alto nivel de sentimiento, por las enmarañadas muestras de cuerdas, que siguen y quedan perpetradas por el sutil toque del shamisen (sítara japonesa), y los fondos de trompas, quienes callan y dejan a los violines mostrarnos que en medio de todas las cosas existe Una Pequeña Pieza de Paz.

FD

El ascenso de Avatar y el Descenso de Horner: Avatar Soundtrack

Tras una ausencia de 12 años de los cines, el director canadiense James Cameron vuelve con otro atrevido señuelo de taquilla llamado Avatar. El film, que recrea un futuro de explotaciones mineras en un planeta extraterrestre, aporta un gran marco estético y una gran calidad de efectos especiales así como un digno espectáculo de fotografía y animación computarizada. A pesar de la grandeza y la atención formada alrededor de la película, la historia (escrita también por Cameron) se posa sobre ritmos bastante predecibles con una trama simple, que bien puede ser justificada por el fuerte del marco visual.

Si bien entendemos que Avatar fue creada con el propósito de captar la atención del público, el sonido fue la debilidad de todo el proyecto. Los efectos de sonido correspondientes con algunos de los animales expuestos en la historia no solamente recuerdan, sino que reactivan la mente de aquellos que vieron pasear y destruir al increíble T-Rex o a los temibles Velociraptores de la saga de Jurassic Park de Steven Spielberg.

En materia de música la composición de los temas estuvo a cargo del compositor americano James Horner, ganador del premio Oscar por su composición para la película Titanic (en la que colaboró con Cameron en 1997). El estilo de música creado por el compositor varia desde The Mask Of Zorro, Enemy at the Gates, Jumanji o algunas más antiguas como The Rocketeer o Willow; ganando así una extensa variedad de formas y culturas diferentes, combinando en su fuerte la música celta y la mezcla intrínseca de la electrónica en la música y las integraciones corales.

Cabe destacar que de aquella mixtura han salido varios debates en los que se explica que el compositor termina añadiendo muchas de sus partituras (y algunas de compositores ajenos) a sus filmaciones siguientes. Un caso específico es la ordenación de trompetas y trompas en la película Enemy at the Gates, misma ordenación que puede ser fácilmente identificada en otras películas como Troy, The Mask of Zorro o en su última creación, Avatar. No obstante, dichos debates y réplicas no han interrumpido a Horner en una carrera de nominaciones al premio de la Academia que varían desde Apollo 13, A Beautiful Mind o Braveheart.

Ciertamente la experiencia de más de 70 films y el aprendizaje de un Master en Música de la University of California le han adjudicado una gran reputación que comenzaría con el film The Lady in Red en 1979, pero que a su vez no sería suficiente para salvar su creación del 2009. El film, por contener una historia que se arraiga en los fondos de la selva, contiene un alto grado de espiritualidad y convivencia con la naturaleza que rara vez se ve en el cine; no obstante, alejando los sonidos minimalistas y los vocablos aborígenes utilizados en algunas partes, el álbum creado por Horner carece de originalidad.

Podemos empezar nuestra selección de ideas tomando en cuenta la propia carrera fílmico-musical del compositor para entender el porqué podemos escuchar arreglos hechos exclusivamente para Troy o el mismísimo Titanic dentro de las pistas del álbum. Las escenas de suavidad y contacto, de esparcimiento y amor, nos recuerdan a la nana de Gasparín o Casper’s Lullaby creado para el film homónimo dirigido en 1995 por Brad Silberling, así como algunas piezas de The Bicentennial Man, creado en 1999 por el director Chris Columbus. La valentía y la estratagema, la fuerza y la pelea, se ven representados en una mezcla de flautas celtas y timbales en comparsa con tambores de origen indígena, mezcla musical de muy buena calidad, pero vista en anterioridad en películas de corte bélico como Braveheart, Troy, Apocalypto o Enemy at the Gates.

Y para resaltar la repetividad del álbum con respecto a sus predecesores, el compendio cuenta al finalizar el score con una canción interpretada por Leona Lewis quien (sin ánimos de ofender) representa la tan ya contada tradición de unir la banda sonora a un tema casual que pueda dar audiencia y aumento en los motivos publicitarios del soundtrack. Si no hay un convencimiento del hecho podéis recordar el dúo James Horner-Celine Dion que fue establecido en los films The Bicentennial Man con “And Then You Look at Me” y después en Titanic con “My Heart Will Go On”, el último ganando millones en ventas del soundtrack por la interpretación de la cantante canadiense.

A pesar de un esfuerzo increíble y contar con una trama que, aunque se muestre obvia no deja de asombrar, el gran defecto de Avatar es una banda sonora mal proyectada, mostrada como el desmonte de varios éxitos del pasado que no deberían volver. El film, sin embargo, no esta falto de atracción debido a su gran despliegue técnico y una impecable muestra visual, con grandes personajes y buenos actores. El Score por su parte, se desvía de los propósitos para lo cual fue creado y llena el espacio necesitado por poco, recreando con gracia y un estilo propio grandes hazañas, pero sin dejar espacio a la originalidad ni la creatividad, quedando a la expectativa la pregunta de si el director americano podrá crear una nueva pieza digna de ser recordada no como otra copia de sus anteriores proyectos.

FD

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La Luna Nueva Revelada: New Moon Soundtrack Pt. 2 (The Score)

Como recordareis en la primera reseña respecto a este soundtrack, el compositor francés Alexandre Desplat es el encargado de darle vida no solamente a los amantes Edward y Bella, sino también a una nueva gama de personajes en la película Luna Nueva, dirigida por Christ Weitz.

Sin más que añadir a le relevancia del articulo anterior, podemos explicar con gran naturalidad que la banda sonora que se extiende a través del milimetraje de Weitz lleva mucho más que notas y acordes. Desplat (tras un galardonado y a la vez monótono score desempeñado en The Curious Case Of Benjamin Buttom) no desplaza a un mundo en el que no sólamente conviven los vampiros, sino también los licántropos.

A partir de una primera pista homóloga al film, El compositor oriundo de París llena de magia y color el escenario, escenario que otrora quedara corto por las partituras de Carter Burwell (Encargado de la banda sonora de la primera pelicula titulada Twilight o Crepúsculo). El suite compuesto por el parisino muestra una gran gama de movimientos alternados entre cuerdas y viento, que asemejándose a una lucha de viones y trompas, nos recuerda a la enemistad jurada entre los lobos y los vampiros.
En un nivel general puedo decir que el Score se divide en varias etapas (tal y como se aprecia en cualquier otro score, cabe destacar), en los cuales Desplat aplica distintas técnicas musicales sin que su totalidad pierda la escencia de la historia. El compositor se catacteriza por un amplio sentido de la melancolía, que puede profezarse como su estilo único, logrado con u exito rotundo en los momentos de tranquilidad y amor. no obstante, se percibe una ligera forma de suspenso y misterio a través de las numerosas canciones.

El segundo estilo marcado es el oscuro; existe una relación entre lo que Desplat considera como misterioso o terrorífico (digno seguimiento a los cambios de fase de los lobos) y lo que se encuentra en las peliculas de terror de la década de los noventa. Dicho misterio (no muy original pero bastante efectivo) viene acompañado de un suspenso que va creciendo conforme avana la historia, hasta convertirse en una auténtica pista de acción. Contrario al fuerte de Desplat, la acción se ve influenciada en gran medida a los seguimientos de negras en violines con una melodía poco melódica y altamente compleja de los clarinetes y flautas con percusión constante, primitiva (concordante con el estilo de The Lost World: Jurassic Park), creada y aplicada en numerosos films por el compositor americano John Williams. No obstante, lejos de un halarde de copia, el suspenso expresado de esta forma se denota como necesario, para la conexión entre el "terror" y el suspenso de la trama.Desplat maneja de manera coherente (y más que perfecta) esa aura de espera que podemos localizar, dejando que la musica evolucione por si sola. Va acrecentando los toques, algunos demostrando un nivel de experiencia en los trasfondos que solamente (debo admitir) son apreciables de grandes compositores de la talla del Sr. Williams. Y sin variabilidad, ésta es la más alta influencia del compositor europeo para este film.

Los instrumentos de cuerda llevan el camino hasta los Vulturi (fieros vampiros en la historia), en donde la música se hace seca y monótona; siempre mantiendo el espíritu msiterioso y ominoso del film, y la melodia engendrada por el parisino. La percusión y las flautas iluminan el camino nuevamente y nos dan la percepción de la lucha en el mayor climax del film.

El tema final, nos demuestra a modo de conclusión una versión más movida que el comienzo. Este sencillo inquieto, recorre el suite nuevamente con una fuerza renovada y de forma festiva, sin hacer escasez de esa añoranza descriptiva. No obstante, el melodia se muestra mucho más enriquecida que al primera muestra entregada por Desplat titulada The Meadow. el piano se encuentra acompañado por los violines, quienes dan ese abrigo de calidez y portentosidad y fianlmente le abandonan en una languidez que finaliza en el solo de piano original, esta vez segundado por un arpegio de flauta que le sigue hasta su final.
Alexandre Desplat envuelve la historia que comenzo con el crepúsculo de Burwell, ahondando más en la oscuridad de la mitología de los seres que habitan en ella, y extendiendo el nivel sentimental que Bella y Edward recalcan en su amor imposible. Y en una opinión personal, un Soundtrack que debe rendido como pieza para el coleccionista convencional de bandas sonoras.

FD

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Los Vigilantes bajo supervisión musical: The Watchmen Soundtrack and Score

La novela gráfica alusiva a la crítica de los héroes enmascarados que Alan Moore escribe en el año de 1986 obtuvo un éxito tan alto que, tras convertirse en una novela de culto, ganó la apreciación de la productora Warner Bros. para ser representada en un film lleno de intriga, acción, humor negro y un nivel de violencia seca digno del escritor inglés. La película traía consigo un alto nivel de curiosidad entre los críticos de cine, una gran expectativa por parte de los fanáticos de Moore y la gran esperanza para los jóvenes seguidores de los cómics de que no se convirtiera en otra fracasa versión de una historieta.

El director del film Zack Snyder (quien se apañara el éxito de la versión fílmica del cómic de Frank Miller 300) creó un ambiente propicio para la época de la década de los 80's, donde se desarrolla la trama en la que varios hombres normales, comunes y corrientes deciden tomar la justicia por mano propia, no siendo finalmente ellos, los verdaderos jueces del destino del mundo.

Para la compocisión del film, Snyder se reunió con su colega de 300 Tyler Bates, quien compondría además temas de películas como The Day The Earth Stood Still (El Día que la Tierra se Detuvo) o The Crow: City of Angels (El Cuervo 2: Ciudad de Angeles). No obstante, el film cuenta no solamente con el talento del compositor americano, sino que cuenta con una gran gama de pistas que no solamente cuentan con la debida ambientación a los años ochenta en donde los "vigilantes" cuidan las calles, sino que la mayoria de las canciones son nombradas en la novela gráfica.

El Soundtrack

Varios artistas conocidos de la década consiguen su puesto entre los enmascarados; entre ellos el guitarrista Jimmy Hendrix con All Along the Watchtower, de las viejas sonoras de guerra y paz. Le siguen no con menos fuerza el poeta, novelista y cantautor canadiense Leonard Cohen, responsable de la famosa canción Hallelujah (A pesar de su posición religiosa inclinada al Budismo Zhen) y la cantante hippie proveniente de Texas, Janis Joplin con su Me and Bobby Mcgee, una versión de la canción original escrita por Kris Kristofferson y Fred Foster, grabada para el album Pearl de la cantante americana días antes de su muerte en 1970.

Podemos apreciar de cuarto y quinto lugar a la banda de funk, disco y R&B, K.C. and the Sunshine Band con I'm Your Boogie Man (canción que saliendo en su album Part 3 en 1976, lograría el primer puesto en el Billboard Hot 100) y el músico barítono americano Nat "King" Cole con su "inolvidable" Unforgettable, escrita por Irving Gordon cuyo primer titulo fue Uncomparable, y tras un cambio de la compañía publicitaria se transformó en el clásico que hoy conocemos, el cual fue publicado en el año 1951.

En una sexta pero no menos importante posición encontramos al cantautor de música country rock Bob Dylan, quien no solamente aparece en la muestra enmascarada por su simple The Times They're A-Changin , sino que además lo encontramos entre las cuerdas de Hendrix (pues la letra es obra del músico Country) y en la séptima pocisión musicalizando su famoso Desolation Row por la banda americana de pop-punk My Chemical Romance. Existe una alta influencia de Dylan (nombrado uno d elos compositores mas influyentes del siglo XX) desde la novela hasta el film, debido al contenido filosófico, político y social de sus letras, en armonía con la temática mostrada por los vigilantes enmascarados de Moore.

Simon & Garfunkel nos cuentan el single The Sound of Silence, canción escrita en 1964, en referencia a la muerte del presidente de Estados Unidos John F. Kennedy. originalmente, el título se formaba con la palabra Sound en plural, pero después fue areglada para quedar en singular, aunque ambas palabras sean usadas en las letras del sencillo.

Bajo un juego de sátiras y honores, la Orquesta Sinfónica de Budapest y Nina Simone hacen su parte uno por uno; el primero honrando y fortaleciendo la guerra vista desde el ángulo de Francis Ford Coppola en Apocalypse Now (Apocalipsis Ahora) con la carrera de las valquirias o Ride of the Valkyries, compuesta en el año 1851 por Richard Wagner como la apertura del tercer Acto de la obra operística Die Walküre (La Valquiria). Nina Simone, cantante, escritora y activista de los derechos civiles, canta majestuosamente el sencillo Pirate Jenny, originario de Bertolt Brecht y Kurt Weill, poetas y directores alemanes de la década de los 20's quienes crearon el musical The Threepenny Opera (La ópera de los tres centavos) en 1928, cuya traducción al inglés (con un toque más oscuro para captar la revolución negra en los derechos civiles por parte de Simone) sirvió de inspiración al escritor Moore para crear lo que aparece dentro de las letras el famoso Black Freighter o Carguero Negro, una historia alterna e interna de la novela, cuya representación fue llevada directamente a un cortometraje animado por no tener cabida en la ya intrincada y larga historia del film.

El jazz que acompaña a los viejos vigilantes del film corre a cuenta de la cantante de los 40' Billie Holiday con el sencillo You're My Thirll, compuesta en 1933 por Jay Gorney con letras de Sidney Clare.

Para entretejar nuestro amor por la música minimalista, os concedo el grato placer de escuchar la última pieza del album, diseñada por The Philip Glass Ensemble en 1982 para la pelicula de culto Koyaanisqatsi (Vida fuera de equilibrio en idioma Hopi, tribu americana), un documental dirigido por Godfrey Reggio que explica el impacto negativo del mundo moderno sobre la naturaleza. la pieza cuenta con dos partes de dicha banda sonora llamadas Pruit Igoe y Prophecies, unidas para la edicion del soundtrack de The Watchmen. El ensamble es un grupo musical creado por el compositor minimalista Philip Glass en 1968 con la función de representar su musica experimental.

El Score

La historias de los vigilantes que cuestionan sus propios principios y luchan contra la vejez y el cambio de los tiempos está escrita, compuesta y ejecutada por el compositor americano Tyler Bates quien, además de haber trabajo con el director Snyder para darle vida a Leónidas y sus espartanos en 300, ha colaborado en soundtracks de películas del director y estrella de rock Rob Zombie como Halloween y Halloween 2, así como también ha entregado composiciones para video juegos como Army Of two: The 40th Day o Watchmen: The End is Near.

A pesar de contar con una influencia extensa como Frank Zappa, Led Zeppelin, Kiss, U2 o King Crimson, Bates incluye una selección electrónica y alejada de las melodías que encontramos normalmente en una banda sonora orquestada, que incluso podríamos recordar de compositores de la forma de Clint Mansell en Doom.

La música ocurre en un aire de escepticismo y misterio. El aura se ve envuelta por toques no armónicos pero suaves de piano mientras sonidos envolventes desarrollan la cercanía a lo desconocido. La acción es repetitiva y poco inovadora. Rockero por afición, Tyler Bates retrata a los vigilantes en estas pistas como una crónica repetición de las escenas de los espartanos con claros riffs de guitarra eléctrica, trompetas y trombones lanzado vítores de fuerza y una percusión primitiva sin ninguna renovación en el nuevo intento. Asi mismo debemos recordar la forma en que Tyler dió una disculpa por el plagio evidente de la banda sonora del film Titus, hecha por Elliot Goldenthal en 1999. Lejos de crear una nueva forma de ver a los héroes, el compositor se resguarda en la ya delineada fórmula musical que reside en los héroes desde la salida de Spider-Man de Sam Raimi en el 2001, orquestado por Danny Elfman.

Encontramos casi escondido entre las máscaras el Requiem de Amadeus Mozart dentro de la obra. De vez en cuando podemos escuchar algunas vocales entre los pianos constantes y logra un aspecto más sobrio en algunos aspectos, apegándose más a la serenidad de la historia de Alan Moore. cuando se acerca el final de la historia, tenemos ante nosotros una composicion que lejos de repetirse evoluciona lentamente hasta ver desaparecidos sus defectos, en una pequeña muestra que opaca la acción y el misterio; el verdadero climax de la historia de nuestros héroes es revelado con una gloria desdichada, lenta y oscura, tal y como lo explicara en su novela el escritor inglés.

El Soundtrack y el Score de The Watchmen se convierten tanto en una buena recopilación de viejos clásicos de la música de los 70's y 80's, como una declaración jurada (un poco atrofiada al principio) del estilo y forma que caracterizan a la historia y que parece extraida del puño y letra del Sr. Moore en persona. Así mismo puede ser considerado como un excelente objeto a coleccionar por el aficionado a la música variada y a la obra completa de los vigilantes.

FD

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Una muestra es más que suficiente: Roar! - Cloverfield Soundtrack

En el año 2008 surgió en las salas una curiosa alternativa de ciencia-ficción que contaba con arquetipos arrancados de las viejas peliculas de terror de la época dorada de los monstruos y amenazas gigantes llamada Cloverfield (o Cloverfield: Monstruo en latinoamérica y Monstruoso en España).

La película, basada en la para nada original trama de un monstruo que amenaza la ciudad de New York (pero trama que sabemos que amamos), cuenta con la producción de J.J. Abrams (Encargado de dirigir peliculas como Star Trek XI o Mission: Impossible III así como series de la talla de Alias o Lost) y la dirección de Matt Reeves (co-creador y escritor de la serie Felicity). El toque especial que le dieron a la estética del film fue la de captar toda la historia desde la videograbadora de el mejor amigo del protagonista, quien intenta rescatar a su novia mientras el monstruo destruye gran parte de la ciudad, adición que nos recuerda un poco al tan famoso Blair Witch Project.

Pero como debemos hacerle honor a nuestro nombre, aquí en BSM les traemos lo que distingue a las demás peliculas en su género; el soundtrack esta a cargo del compositor Michael Giacchino, quien cuenta con una extensa experiencia en bandas sonoras de juegos de guerra como la serie de Medal Of Honor, Black, las primeras entregas de Call Of Duty y Mercenaries entre otros. Así mismo Giacchino, oriundo de New Jersey, ha realizado trabajos para Disney en distintas ocasiones (Ratatouille, The Incredibles, Up) y ha colaborado con J.J. Abrams en otros proyecto como Star Trek XI y con los hermanos Wachowski en Speed Racer.

En los comienzos del compositor estudió en la Escuela de Artes Visuales de New York, consiguiendo grados en Producción Fílmica e Historia. Luego de estudiar música en la Escuela Juilliard del Centro Lincoln, Giacchino se establece en los estudios Disney en Los Angeles, donde comienza su carrera en la producción de varios pequeños juegos.

Giacchino recorre el mundo del monstruo (Apodado Clover por J.J. Abrams) con una banda sonora que no se extiende a través del film sino que nos muestra su poderío, terror y oscuridad en los primeros minutos y al final acompañando a los créditos finales. Los doce minutos se extienden en el realismo épico, la magnificencia del Monstruo con trompetas, una percusión que nos hace apretar las manos del asiento y una delicada y retorcida voz femenina que es digna de los viejos clásicos géneros de miedo y Sci-fi. el Theme es denominado Roar!, dándonos la visión única y exclusiva a que no existe algo más fuerte o magnánimo, más horrible o peligroso que nuestro querido Clover.

FD

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