Banda Sonora Minimalista

Silvestri Congelado: Captain America Soundtrack

2011-11-09T00:02:00.000-08:00

El tan esperado regreso del héroe patriótico a la gran pantalla desde su última aparicion en 1990 de la mano del director Albert Pyun, se da gracias al director estadounidense Joe Johnston, el responsable por peliculas conocidas como The Rocketeer, Querida encogi a los Niños o Jumanji entre otros.

El superhéroe de las estrellas y franjas, protagonizado de manera interesante por el actor Chris Evans, y creado en primera estancia por Joe Simon y Jack Kirby en 1941 como elemento propagandista de la Segunda Guerra Mundial, se encuentra en 2011 como un estreno único, con una amplia gama de efectos especiales y una nueva forma de contar la historia del primer vengador.

(ALERTA SPOILER)

No obstante, debemos entender que a pesar de la gran fanaticada y el enorme aprecio que siento (personalmente) por los heroes de las historietas, debemos admitir que una historia como la del Capitan America no da para explicaciones mas complejas de las que existen en la historia misma. La película, sin decepcionar a nadie, no es mas que la mera explicación un tanto infantil de cómo se desarrolla el Capitán y de que forma llega a convertirse en el primer vengador, dejando quizás algunas preguntas al aire y un sabor un tanto amargo por el repetido uso de escenas de peleas que quizás convencerían muhco más de no mostrarse tan monotonas.

Quitando el extendido compendio de efectos especiales, y un gran Red Skull (Hugo Weaving; The Matrix), La película se desarrolla de forma normal sin dar muchos sobresaltos, pero dando una clara visión del heroe y de sus expectativas. La música propuesta por Johnston quedó a cargo de Alan Silvestri, musico y compositor americano quien posee un extenso curriculum en el hambito de los soundtracks.

Silvestri ha creado un amplio espacio de piezas que son dignas de recordar y le dan el puesto que hoy en dia tiene. Sin embargo, un increible repertorio que va desde Predator I y II (1987,1990), Vover al Futuro I y II (1985,1989), Rapida y Mortal (1995), Contact (1997) hasta Van Helsing (2004) y G.I. Joe: Rise of Cobra (2009) parecen haber tomado cierta repercusion en su muestra de musica, demostrando una calidad menor en sus ultimas partituras, y legandolas como comerciales y repetitivas.

El pentagrama del primer vengador se ve patriotico, con retoques de redoblante y trompetas alegoricas al heroismo, no obstante carece de cierta alma o sentimiento que le den la fuerza necesaria, para convertirse en una banda sonora legendaria.

Cabe resaltar que la explotación exagerada y comercial (por no decir desesperada) de las peliculas de superheroes han concentrado este "fenomeno" musical en el cual la musica de la pelicula pasa de ser un elemento importante a convertirse en un agregado que ya ni se muestra necesario. Tema para otro Post, mis queridos lectores.

Captain America: The First Avenger no califica de mala como film, quizás un tanto monotona para el gusto del cinéfilo empedernido. En cuanto a su música, la experiencia de Alan Silvestri era un gran afrodisiaco para esperar algo de mayor calidad, por lo que podría haberse dado un mejor puesto entre los contrincantes como el Batman de Hans Zimmer o incluso el Thor de Patrick Doyle, sin hacerlo.

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Mjölnir Musicalizado: Thor Soundtrack

2011-05-01T23:16:00.000-07:00

Thor es el Dios del Trueno. Thor es un personaje de la mitología nórdica que se creía que su poder influenciaba desde el clima hasta la justicia, las batallas, la protección y muchas otras cosas más. Así mismo, Thor es un personaje de Marvel Comics diseñado con bases mitológicas por los artistas Jack Kirby y Stan Lee en 1962. No obstante de ahí derivo el último Thor, film de 2011 dirigido por Kenneth Branagh y protagonizado por Chris Hemsworth como el mítico personaje.

El film de Thor aparece como una propuesta de antelacion ante la ya esperada pelicula de los Vengadores (The Avengers) que espera ser estrenada en el 2012, actuando junto con la por estrenarse Capitan América: El primer Vengador (Captain America: The First Avenger), las 2 entregas de Iron Man y el Increible Hulk (Incredible Hulk) para ser las precuelas de el mencionado estreno. Los films actuan en conjunto para contar una historia mucho más compleja, y poder conectar los lazos de los cuatro héroes de forma de tener una visión más amplia de la esencia de los Vengadores.

El director Irlandés creó una obra que no solamente es una copia fiel al sentimiento del Comic (y generalizado de sus adaptaciones), sino que así mismo cuenta con un detallado en efectos y escenarios que son dignos para ver el film una y otra vez. Las actuaciones (a pesar de no ser magnificas) son adecuadas para el tipo de película y el espectador podrá encontrar desde comedia hasta acción romance y un poco de suspenso.

Branagh dedicó una parte importante al detalle visual del producto, dejándole al compositor Patrick Doyle la ardua tarea de dar melodía a la obra. Este compositor de origen escocés ha trabajado en películas de bastante éxito como Gosford Park, Hamlet, Harry potter y el Cáliz de Fuego (HP and the Goblet of Fire), Eragon y Carlito's Way entre otras. Empezando con un entrenamiento en la Academia Escocesa Real, logró ensamblar el Renaissance Theatre Company en 1987 como compositor y con altos directores teatrales de la talla de actores y actrices como Judy Dench. Para 1989 crearía la primera banda sonora para Henrio V, de la misma productora RTC. Sus aportes al campo musical han sido tanto halagadas como criticadas, no dando un estilo determinado en su músico, adaptándose a cada campo en el que se haya y dejando un grano de arena que parece más una huella digital, distinta de las demás, en cada una de sus composiciones.

Si bien Doyle ha realizado tanto excelentes como decadentes bandas sonoras, Thor ha sido un estado intermedio de su música. Podemos encontrar una compocision que raya entre lo herócio y lo tradicional de un film de superhéroe que desvía (de manera positiva) hacia el misticismo, pero de forma leve. No obstante la música se muestra seca y poco osada al momento de desvelar las escenas y se halla falta de energía (una energía que sobraba en la parte visual y de trama). El suspenso y el sufrimiento, así como la acción y el drama no están solos en el film; se encuentran apegados a la esperanza de tonos solemnes, temas que levantan y animan y recrean lo contrario en otras ocasiones, sin ser mucha cosa.

La carencia de un tema único para el personaje principal nos hace preguntarnos que sucedió con aquellos aportes de viejos compositores como Danny Elfman con sus Batman y Spiderman, así como John Williams con el inolvidable tema de Superman. Sin embargo esto ya es un tema que parece suscitarse en casi todos los filmes nuevos acerca de superhéroes (véase el formido pero sin-tema soundtrack de Batman Begins y las dos tomas de Iron Man por Hans Zimmer, Ramin Djawadi y john Debney respectivamente). Claro está que debemos aclarar de que el músico escocés hace un esfuerzo por establecer un tema para Thor; y lo que consigue es hacer una melodía que lejos de pegarse por anclaje musical, se convierte a veces en una consonancia un tanto repetitiva y áspera que hace perder la concentración del film en algunos momentos por su continuidad hosca y poco original.

Thor es un excelente film que encantará a muchos y no convencerá a pocos. Su música estará a la altura del reto (sin ser la octva maravilla del mundo) y compensará un vacío que quizás pudo haber sido mucho más grande.

FD

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Exito dentro del Fracaso: Dragon Ball Evolution Soundtrack

2011-04-29T09:52:00.000-07:00

En el año 2009 tuve la oportunidad de apreciar (si es que se puede decir la palabra apreciar) la versión americana de la no sólo famosa sino importantísima serie de anime (y manga) japonésque definió la historia de los cómics y creó una gran número de fans alrededor del mundo.

Dragon Ball: Evolution apareció en la gran pantalla a manos del director chino James Wong como una propuesta un poco americana de la serie original. El resultado fue de una forma u otra lo que se esperaba del film; una película de poco presupuesto con un guión pobre y actuaciones que hubiesen mejorado de no ser por la escasez de energía en la trama y una versión muy poco iluminada de contar una historia tan maravillosa como lo es la creada por el artista japonés Akira Toriyama en 1985.No obstante, colocando de un lado la historia simple y tediosa, los efectos especiales que no asombraban y la poca lógica de la relación entre la trama original y la trama distorsionada del film, encontramos a un compositor de música que se inspiraba y trataba de redefinir un género filmico a su manera.

El director chino contrato al músico Brian Tyler, quien se habia encargado de encarar al cazador de demonios Constantine en 2005, y quien aparecería proximamente en proyectos como Battle: LA y The Expendables. el compositor de origen americano se enfrentó al reto de transformar e inclusive crear desde cero la musica a la que muchos fanáticos y críticos de la serie estaban acostumbrados.
Debemos admitir que aunque las composiciones creadas por Tyler se alejan considerablemente del animé, el nivel de musicalidad, de espíritu y de energía que desmuestran sus notas son dignas de admiración. Tonos solemnes, de batalla, cual si el mundo estubiese en sus peores momentos, la musica del musico americano inspira a luchar por la verdad y por la tierra, por no ser conquistado, aunque se muera en el intento. Logra calar en el misticismo y la leyenda del guerrero Sayayin, lamentablemente en vano.

Tyler consigue el poder y la magia que toda la producción del film no logró. Su música trasciende y es considerada (al menos por mi) como uno de los soundtracks más enérgicos, musicalmente fuertes y bellos que he escuchado en mi vida. No obstante cabe destacar que su poderío no estuvo a la altura de la serie (no por calidad sino por la alta diferencia de estilos musicales) , y para ser apreciado en su totalidad debe ser visto fuera de contexto con respecto al film.

FD

Facebook de Ross y Reznor: The Social Network Soundtrack

2011-04-04T19:36:00.000-07:00

En el año 2004 el lanzamiento de una red social cambiaría el estilo de vida de muchas personas; Facebook cuenta hoy en día con más de 600 millones de usuarios y más de 500.000 aplicaciones para el site. Dicho crecimiento y expansión llevo a su creador Mark Zuckerberg no solamente a abandonar sus estudios en Harvard temprano, sino conocer una amplia gama de contactos y administraciones a fin de oganizar y hacer crecer dicho imperio.

El Film The Social Network, dirigido por el director americano David Fincher (The Panic Room, The Fight Club, Zodiac, The Curious Case of Benjamin Buttom), encabezó una de las peliculas más vistas desde su estreno en octubre de 2010 y así mismo atrajo las buenas criticas de los amantes del cine y 8 nominaciones a los premios Oscar de la Academia, haciéndose ganador en las categorías Mejor Montaje, Mejor Guión Adapatado y Mejor Banda Sonora.

El lema "No puedes tener 500 millones de amigos sin hacer algunos enemigos" del film es alusivo a la situación irónica social que sufre Zuckerberg al crear la red social, entablando y terminando amistades en todo momento, y entendiendo una forma de pensar que quizás lo llevará a esas mismas situaciones en la que se involucra el joven programador y empresario.
Fincher optó por una banda sonora mas electrónica, un poco más llevada al metal industrial y menos orquestrada. No había otra persona que cubriera mejor las exigencias del director que el creador y virtuoso de la banda Nine Inch Nails (NIN), Trend Reznor. El compositor y músico americano fue acoplado al programador musical Atticus Ross (con quien habría trabajado en los proyectos With teeth, Year Zero y Ghosts I-IV de NIN) para energizar y programar el proyecto.

El resultado es una banda sonora sin duda bastante minimalista, con toques electrónicos impropios del genero de Ross y Reznor y con toques que seguro los fanáticos de NIN podrán apreciar y reconocer. El estilo Industrial de Reznor se mezcla con una visión casi solitaria de la mente de Zuckerberg, una triste y a la vez congestionada vida que se suscita entre el exito de las más importante red social de la era actual, con la pérdida de las amistades, los amores, y los fracasos contractuales y dificultades que conlleva ser el creador de dicha empresa.

Cabe destacar que compitiendo con Hans Zimmer y su Inception, y ante un deleite de emociones orquestradas por parte del King's Speech de Alexandre Desplat, contrario a las expectativas, la banda sonora de The Social Network sobrepasó los límites haciéndose con el Premio de la Academia y mostró la valía del minimalismo para contar una maravillosa y compleja historia.

FD

Daft Punk vs Disney: Tron Soundtrack

2010-12-29T19:33:00.000-08:00

En el año 2010 la Compañía Disney decidió revivir un viejo clasico del año 1982 llamado Tron con una secuela que no solamente calaba dentro la línea cronológica de la pelicula y la realidad, sino que profundizaba con un primer final que, sin dar a conocer el posible futuro, dejaba expectativas acerca de una segunda parte esperada por muchos fanáticos.

Tron Legacy llega a las grandes pantallas de la mano del director Joseph Kosinski, con Jeff Bridges repitiendo en el papel de Kevin Flynn (el usuario creador de los programas de la Red), Bruce Boxleitner como la voz de Tron y Alan Bradley y Garrett Hedlund como Sam Flynn, hijo de Kevin Flynn, asi como diferentes personalidades de Hollywood como Martin Sheen en el Papel del demente Castor u Olivia Wilde como la bella e inocente Quorra.

La película lleva a los personajes a la Cuadricula (The Grid), un sistema de red donde los programas luchan por la libertad, el poder y la verdad; todo este algoritmo dentro de un régimen militante puesto por un programa que desea la perfección y el intento de los usuarios (humanos) por acabar con su tiranía.El film contó con la increíble ayuda de la banda francesa de dj's Daft Punk, a quienes se les contrató para crear una banda sonora que llegará a la tonalidad electronica y tecnológica que requería la película para alcanzar su máximo eje. No obstante, con más de 17 años de experiencia en el campo d ela música electrónica, y combinando Funk, Electro, Techno y otras variaciones de la Electrónica, el dúo francés optó por una muestra que, según rumores, fue rechaza por los directivos de la corporación Disney por verse excesivamente electrónica, alejada de temas pegajosos de banda sonora y orquestrados que pudieran dar un senitmiento mas aventurero a la trama. Tras este supuesto rechazo de Disney, DP siguió trabajando en un segundo album que, más guiado a lo melodioso, con menos electro y más orquesta, terminó conviertiéndose en la final adaptación para el film.

Lleno de sonidos de sintetizadores, melodias estridentes y distorsionadas con una percusión que hiela el corazon y alza el suspenso durante el film, Daft Punk logró crear un Soundtrack que, lejos de convertirse en un fatídico intento de Disney por cambiar las cosas, se transformó en un clásico que cualquier coleccionista que se precie debe tener en sus manos.

http://bitshare.com/files/dl8rxbay/Da_Pu_by.rar.html

PD: para quienes desean escuchar lo que según los rumores es la opción rechazada por Disney, y que fue lanzada por Daft Punk bajo el seudónimo de The Third Twin denominado HomeMade, aquí está el link correspondiente:

http://www.megaupload.com/?d=0510TL1F

Al Lector: Sinceras Disculpas

2010-12-29T19:22:00.000-08:00

Tras una larga ausencia de mi blog (ante el cual me disculpo) decidí volver a escribir ya que una banda sonora especifica lleno mis expectativas donde pensé que siquiera serían contestadas mis súplicas.

los problemas personales y dedicarme a otras labores que no requieren de la sabiduria o al menos una alta concentración en la música me alejaron un poco de mi blog que es, por más decir, mi dedicación ociosa y entretenimiento no solo a mi persona, sino para quienes me leen y se interesan en mis temas.

Por ello y por otras razones, pido disculpas a todos mi lectores y retomo el camino perdido, no sin antes desearles una retardada pero sincera Feliz Navidad y un oportuno y cálido Feliz y Próspero Año Nuevo!!!

FD

La Paradoja de Zimmer: Inception Soundtrack

2010-09-19T22:56:00.000-07:00

http://depositfiles.com/files/bf1nyryzs

DF
Christopher Nolan nos lleva a un laberinto mental junto con Leonardo di Caprio y Ellen Page en la críptica y original cinta Inception, en donde nos veremos atrapados en sueños dentro de sueños con la participacion de Ken Watanabe, Michael Caine, Marion Cotillard y Tom Berenger entre otros.

El film nos adentra en una antinomia que al final parece demostrar un resultado afirmativo o negativo cuya interpretación puede ser solo descrita por el observador. Este concepto audiovisual ha sorprendido a más de uno y así mismo ha generado más de una polémica sobre su debida interpretación y las posibles pistas que lleven a ello.

Por si esto fuera poco, Nolan contrató a su viejo compañero de armas el compositor alemán Hans Zimmer, con quien lidiaria dos veces para darle tono a la nueva versión del encapotado en Batman Begins y The Dark Knight. en estas dos últimas obra el compositor trabajaría en adjunto con James Newton Howard (I Am Legend, The Village, Blood Diamond).

Para este interesante proyecto (y tomando en cuenta la estetica exacta de los requerimientos de Nolan) Zimmer optó por entrelazar de manera cóncava la relación directa entre la escena y la música, dispersando los tiempos de los diferentes instrumentos para que calzaran de forma exacta en los tiempos de los distintos sueños que van ocurriendo dentro del largometraje, creando la atmosfera de diversidad de duración temporal a medida que los personajes van bajando a cada nivel de sueño.

Para añadir más suspenso, las pistas de persecusiones se cuelan entre percusiones lentas y rápidas y secuencias de violines que se van mezclando lentamente con aquel tiempo casi transparente lento y definitivo que da entrada y final a todo el fin como si se tratara de una paradoja misma. El theme de toda la trama pasa de una semi balada lenta, la cual es interrumpida por el estruendo casi paralizante de la percusión, que da comienzo al sueño, y que sin duda es el artifice de los nervios de los espectadores a través de todo el Film.

Como un hecho curioso cabe destacar que Zimmer empieza con la misma nota con la que termina, dandole esa sensacion paradójica que puede incluso confundir al oyente, colocando de forma traslúcida en el fondo la canción que dió pie a todo el soundtrack, Non, Je ne regrette Rien de Edith Piaf (Cantante Francesa de la década de los 20's), misma canción que escuchan los protagonistas cuando va a terminar el sueño. De esa forma, el músico comienza con lo que termina, o quizás termina con lo que comienza, en la mística obra donde Tom Berenger, Marion Cotillard, Michael Caine y Ken Watanabe se entrelazan en sueños dentro de sueños con Ellen Page y Leonardo DiCaprio, dirigida por el fantástico Christopher Nolan.

http://depositfiles.com/files/bf1nyryzs

Amor a Través del Tiempo: The Notebook Score

2010-09-19T22:11:00.000-07:00

En el año 2004, el director americano Nick Cassavetes nos involucra en una historia de amor que pretende ir más allá del tiempo en donde Ryan Gosling y Rachel McAdams se verán atrapados en el tiempo por un lazo que los une y los lleva a recordar, tan pequeño y tan grande a la vez como lo es un simple cuaderno (The Notebook).

La increible historia que gira en torno a los dos personajes, tiene las altas y bajas de una pasión única, y un final digno de la mejor de las historias de amor, atravesando momentos de ternura, amor, tensión e incluso dolor; Una pieza de arte única basada en la novela del autor estadounidense Nicholas Sparks, quien además de dicho escrito ha escrito otras obras llevadas al cine como The Last Song (protagonizada por Miley Cyrus) y Dear John (protagonizada por Channing Tatum).

Cassevetes decidió darle vida a la compleja relación de Noah (Gosling) y Allie (McAdams) y sus distintas situaciones en su esencia musical a través de las notas del compositor americano Aaron Zigman, reconocido músico de películas como Bridge to Terabithia, Step Up o Sex and The City.

Zigman utiliza un elemento de "música sorprendente" en los momentos decisivos del largometraje, orquestado por violines y flautillas en una danza ténue y vibrante en algunos momentos, abriendole paso a un piano minimalista, casi ausente, que refleja la fuerza lenta pero creciente de las palabras escritas dentro del cuaderno. Allie y Noah comparte más que un lazo bajo la tutela musical del compositor y logran así la sincronia con el ambiente y con lo que les rodea, dejando que sus sentimientos fluyan así como los acordes de Zigman bajo el Pentagrama del amor.

FD

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Amélie, Nino, Jean y Yann: Amélie Soundtrack

2010-09-15T09:30:00.000-07:00

El director francés Jean-Pierre Jeunet nos entrega en el año 2001 a una rica historia llena de fantasía, aventura y mucho, mucho romance con su largometraje Amélie (Le fabeleux destin d'Amélie Poulain), un cuento de amor y gracia que conmueve nuestros corazones y nos entretiene con las curiosidades más detalladas y excéntricas de su protagonista de quién es casi imposible enamorarse. Amélie se muestra encantadora, excentrica y hasta algunas veces insólita, quien va cambiando la vida de todos quienes le rodean, mientras queda flechada del caballero Nino Quincampoix, el objeto de su atracción y deseo a través de los 122 minutos.

Claro está que su paseo por la niñez, por los problemas del amor, por las corazonadas y las aventuras, Amélie cuenta con el apoyo incondicional del músico y compositor francés Yann Tiersen quien, contratado por Jeunet tras considerar otros compositores de la talla de Michael Nyman, crea un ambiente propicio para que las cosas fluyan con el alma de la protagonista y no se pierda el sentimiento en ningún momento.

Guiado por la trama, Tiersen propone una mezcla de instrumentos seca pero clara a la hora de la orquesta; el minimalismo en cantidad se resume a pistas en donde el único participante puede ser un violin, un piano o incluso un vibrafono. Dicha ausencia se ve plasmada en cada uno de los sentimientos de Amélie Poulain en cada escena, creando una esfera que a pesar de transmitir poco de manera sonora en la mayoria de las pistas, hace que las notas del compositor francés parezcan saltar directamente del corazon de la joven protagonista.

A pesar de que Tiersen no tenga un amplio curriculum en la carrera de bandas sonoras, Jeunet planteó usar algunas de las pistas de sus tres primeros álbums para incorporarlos al soundtrack. No obstante, Yann tiersen decidió colocar tambien variaciones de lo que seria su cuarto disco, que en aquel momento el compositor creaba paralelo a la banda sonora.

Jeunet y Tiersen se unen de manera simple, clara y directa en una propuesta que muy lejos de decepcionar, atrae al público a la mente y el corazon de Amélie Poulain y muestra de forma excelsa la calidad de la música del compositor francés. una opción que no deja de sorprender y sacar la sonrisa del oyente en el menor momento.

FD

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El Tercer Elegido: Eclipse Soundtrack pt. 2 (Score)

2010-07-05T07:23:00.000-07:00

Para mal o para bien, el film de Eclipse debía ser comparado con sus dos predecesores inevitablemente. Ya sea porque el film es más denso con la historia de cada personaje, o por el exagerado uso del cuerpo de Taylor Lautner en las escenas, el largometraje dirigido por David Slade contiene más que una delicada historia entre vampiros y lobos.

Si en algún momento (comprando o adquiriendo de cualquier forma el soundtrack) se pensó que la linealidad de las partituras para los films de la productora Summit Enter. sufrirían del sindrome de la campana de Gauss, este es un pensamiento erróneo.

El turno para la tercera entrega, y en yuxtapocisión con un primer (y primitivo) Carter Burwell, y un avanzado y altamente decorado Alexandre Desplat, es para el compositor canadiense Howard Shore, altamente reconocido por su colaboración en la creación de la trilogía del Señor de Los Anillos de Peter Jackson.

Oriundo de Toronto, y graduado en Berklee College of Music de Boston, Shore cuenta con más de 40 soundtracks realizados (entre los que se encuentran The Departed, Gans of New York, That Thing You Do!) y tres premios de la Academia por el trabajo musical de la tierra media.

El Score creado por el compositor canadiense para la tercera entrega de la saga creada por Stephenie Meyer se puede colocar como una evolución/adaptación de la partitura de Desplat que captó el real momento de Crepúsculo. No obstante la dominancia de sostenidos y movimientos de tension (tanto en el film como en el score) le alejan un tanto de su predecesor y le colocan másen el marco de lo que llamaríamos música para una película épica.

Howard Shore introduce muchos aspectos de su trabajo en el Señor de Los Anillos, aspectos que son parte intrínseca de su estilo, y que dejan su marca personal en cada canción. este punto nos lleva a unoas muy interesantes pistas de acción y suspenso, pero a un desempeño en los temas principales que carecen de alta motivación y yacen más como temas de fondo que como reales temas promocionales.

El tema de Jacob Black, así como el de Rosalie o el de Jasper, tienen tanto peso como los temas de romance y de terror, lo que crea cierta monotonía en el tramo general del score (lo cual se traduce en un punto a favor para Desplat, quien creará un increible acabado en sus temas). Cabe resaltar sin embargo, que en cuanto a la fuerza de movimiento el canadiense logró lo que Desplat y Burwell no encontraron en primera estancia; una buena pista que acelerara el corazón de los espectadores mientras se desencadena una lucha inminente entre lobos y vampiros. Y todo esto con la increíble premisa de tomar el estilo de los primeros dos compositores y añadirlos sin perder su estilo propio.

Un único punto en contra del album es su final. La última pista que si bien podría ser un excelente tema final, es cortado por la voz de la vocalista de la banda Metric, tal cual se reconoce en el final del film. Detalle bien guardado y bastante perturbante a la hora de pensar de que ya se tiene un disco que abarque las pistas de bandas de musica inspirada, y que se busca un disco con la banda sonora intacta.

Dejando a un lado las nimiedades comerciales, Howard Shore crea una evolución en la historia de Edward, Bella y Jacob, y le estampa su sello personal con toda la calidad posible. se antepone a Burwell y Desplat como el hombre de acción y suspenso de la saga, y se lleva la admiración de quienes aprecian una buena banda sonora.

FD

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Una Lucha No Muy Justa: Eclipse Soundtrack Pt.1

2010-06-06T22:31:00.000-07:00

La tercera entrega de la guerra entre vampiros y lobos (más el trinagulo amoroso entre especies) llega el 30 de Junio a las salas de la mano del director Dave Slade, padre de películas como el thriller psicológico Hard Candy y la adaptación del comic de Frank Miller 30 Days of Night, y que al mismo tiempo cuenta con el elenco de Kristen Stewart como la joven humana Bella Swan, quien se confundirá entre el amor de los dos galanes Edward Cullen (Robert Pattinson) y Jacob Black (Taylor Lautner).

Por supuesto, la cinta no podría estar completa sin un buen compendio de música actual y alternativa; una fórmula que sin estar bien establecida en la primera película, repite desde la secuela y consigue un potente éxito. La respuesta a la solución es el retorno de las bandas fuertes con una acomodada y bien entretenida carpeta de no tan conocidos intérpretes que delinean la forma del film con un estilo espectacularmente peculiar.

En primera instancia tenemos a Metric con el sencillo Eclipse (All yours). La banda canadiense de rock independiente asemeja bandas de rock alternativo como Coldplay y cuenta con un encuadre musical de excelente calidad. Fuera del soundtrack el grupo tiene 4 discos de estudio y 7 años en constante desarrollo.
De segundo lugar podemos apreciar a un pesado entre las bandas: The Muse repite por tercera vez en la saga escrita por Stephenie Meyer con la pista Neutron Star Collition. Cabe resaltar el apoyo con que la banda contó desde el principio por ser proclamados la “inspiración” de Meyer para hacer la historia. Por supuesto, un arreglo con fondos de piano y un estilo electrónico progresivo que esta presente en su último álbum titulado The Resistance.

Una gran banda que aparece de la nada para iluminarnos es la oriunda de New York The Bravery con su movido Ours. El grupo (que fue creado en el año 2005) tiene actualmente 3 discos, y su estilo post-punk nos recuerda a la década de los 80’s. Es una excelente opción que parece encajar con los engranajes de las demás bandas expuestas.
De cuarto lugar escuchamos con gran armonía a la cantante canadiense Florence Welch en un ensamble con varios artistas invitados llamado Florence and The Machine, desbordando ritmos superpuestos de rock independite y pop barroco en el titulado Heavy In Your Arms. La puesta musical difiere del estilo rockero de las bandas anteriores y le da una muestra más diestra musicalmente al álbum.

En quinta posición tenemos a Sia Furler, cantautora australiana de música pop jazz-soulful, quien con 5 albums y más de 13 años de trayectoria musical nos entrega el sencillo My Love, quizás la entrega más armoniosa y con menor percusión de todo el disco. Una excelente proposición de romance y momentos de amor.
Formada desde el 2006 y proveniente de Londres, la sexta banda Fanfarlo nos trae Atlas, la versión (en mi opinión) más alternativa de todas, y la más cercana al soundtrack de New Moon. El grupo tiene un solo disco titulado Reservoir (lanzado en el 2009) pero no deja de ser una de las mejores canciones expuestas en el álbum.

The Black Keys, oriundos de Ohio, llegan al álbum con el sencillo Chop and Chance, la opción quizás más agresiva de todo el disco. El rock grunge-indie invade los oídos y quizás nos recuerda la rebeldía de Jacob Black.
La octava banda, The Dead Weather, es la mezcla de varias bandas (The White Stripes, Discount, Queen of the Stone Ages y the Greenhornets) que iniciaron el proyecto en 2009. La propuesta es una mezcla entre el blues, el indie y el garaje rock. La canción, Rolling in on a Burning Tire secunda a Chop and Chance como las más pesadas del álbum.
El décimo lugar lo domina el dueto de Beck, cantante, autor, músico y multi-instrumentalista americano y la música británica Natasha Khan, mejor conocida como Bat For Lashes. La invitación llamada Let’s Get Lost es una versión alternativa de lo que podríamos llamar el remix de alguna balada de la década de los 80’s. La canción parece ir inspirada en las variaciones electrónicas de David Bowie.
La famosa (y también criticada) Vampire Weekend nos muestra Jonathan Low, un sencillo traído directamente desde New York. Otra optativa bastante alternativa y tal vez (en una nota personal) la más débil de todas las opciones, a pesar de tener bastantes posibilidades de convertirse en el gran single del álbum.

Siguiendo al fin de semana vampírico tenemos With You In My Head de la banda británica U.N.K.L.E. quien, establecida desde 1994, cuenta con 8 albums en trayectoria y muestra su gran destreza en el trip hop electrónico alternativo. Para el sencillo la banda contó con la colaboración de la banda americana The Black Angels, quienes con su psichedelic rock distorsionan la escena dándole una forma un tanto más envolvente a la pieza.

Eastern Conference Champions nos entretiene con el sencillo A Million Miles an Hour. El estilo de la joven banda (proveniente de Philadelphia) es el rock más simple y seco. La opción nos puede recordar canciones de soundtrack como The Crow, Spider-man y algunos otros muchos sencillos de finales de los noventa.

Life On Earth es interpretada por la banda de rock alternativo Band Of Horses. Fue fundada en Seattle en el año 2004 por el músico Ben Bridwell , quien ya no pertenece a la banda. La pista persigue el título de alternativa y la más parecida a la secuela de la saga junto con Atlas, de Fanfarlo.

En la casilla 14 tenemos la pista más distinguida de todo el álbum por su gran movilidad. El titulo What Part of Forever es llevado a nota por el músico americano Thomas DeCarlo Callaway, mejor conocido en los escenarios como Cee Lo Green. Es la más alegre y nos recuerda al Violet Hour de Sea Wolf mostrado en New Moon. El sencillo es un poco funk pero para nada pierde la esencia del disco.

Y siguiendo la tradición (tal y como sucediera con los soundtracks de Twilight y New Moon) la muestra de la banda sonora orquestada también está presente en el tercer soundtrack de la saga. Debemos recordar que las entregas anteriores estuvieron llevadas a cabo por Carter Burwell y Alexandre Desplat respectivamente. La fórmula sonora repite esta vez de manos de Howard Shore (The Lord Of the Rings), quien con un solo de piano bastante sentimental y triste parece seguir lentamente (y de forma segura) los pasos de Desplat hacia el éxito. El abrebocas llamado Jacob’s Theme es suculento pero menos profundo que la pieza del compositor francés, y aún así deja ansias al lanzamiento del score (un día antes de la premiere del film).

El BonusTrack del disco, para finalizar con el mismo estilo con el que se comenzó, viene de MiMi, con el sencillo Don’t You Mourn the Sun. Una opción de pop-ectronic que podría interpretarse como una interesante mezcla entre The Muse y Paramore.

El álbum, bien adiestrado para el entretenimiento, enfrenta cara a cara a su predecesor sin lograr una lucha justa. No obstante para quienes gustan de las bandas conocidas y la música alternativas la opción será obligatoria. Faltará ver qué ideas traerá Howard Shore al score final y cómo será el desarrollo de la música dentro del film.

FD

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Djawadi contra los Colosos: Clash of the Titans Soundtrack

2010-05-17T22:30:00.000-07:00

En abril de 2010 fue lanzado el remake de la famosa película épica Clash of the Titans, cuyo éxito ha marcado en cartelera un prolongado ascenso que fuera interrumpido únicamente por la secuela del hombre de hierro de Marvel.

La trama (bastante desnuda y poco imaginativa) narra la historia de Perseo, hijo de Zeus quien busca venganza de Hades por matar su familia mientras Andrómeda es amenazada con ser un sacrificio por amor a Zeus. El reparto del film dirigido por Louis leterrier (director de The Incredible Hulk, The Transporter 1 y 2, y Danny the Dog), esta escasamente balanceado con Sam Worthington (Terminator: Salvation) como un muy básico Perseo, un increíble Zeus por Liam Neeson (Taken), Ralph Fiennes (The schindler’s list) como un muy oscuro Hades y Gemma Arterton (Quantum of Solace) como la seca ayudante de Perseo, Io.

A pesar de que la película se centre en el género de la acción básica, con un guión predecible y un arte gráfico increíble (que salva la partida la mayor parte de los 106 minutos de duración), La gran salvación del film la posee su banda sonora. El compositor Iraní Ramin Djawadi (nacido en Alemania, de padres iraníes) crea una pieza que, sin saber sus orígenes musicales, se podría catalogar como una copia de otras películas con el mismo acabado épico.

Djawadi es conocido por hacer arreglos musicales adicionales para muchas películas como Pirates of the Caribbean, Batman Begins, teniendo la oportunidad (y privilegio) de trabajo hombro con hombro con Hans Zimmer, o The Island colaborando con Steve Jablonsky. Entre sus obras personales se encuentra la responsabilidad de películas como Beat the Drum, Blade: Trinity, Iron Man, la serie Prison Break o la infantil Open Season 2.

El corte de acción dentro del score se hace bastante interesante, bien movido para su momento. La banda sonora se divide en tres fases: la fase epica, la fase de acción y la base temática. En la primera escuchamos los sonidos típicos de una película épica, con coros y trompas al más puro estilo del Señor de los Anillos (anótese un gran parecido), mientras que en la fase de acción esos instrumentos culturales, los violines de suspenso y la percusión griega se ve severamente afectada por la inserción de elementos electrónicos como guitarras y beats de última generación (un toque bastante hollywoodense). La mejor fase es la temática, donde surge el tema de Perseo, el de Io y otros como el trasfondo de todo el choque de titanes que le da el real aire aventurero que la película muestra.

El compositor, quien poco a poco dando pasos seguros dentro de la experiencia de las bandas sonoras, se destaca con un score que con un poco más de experticia, llegaría a la talla de los grandes, llenando de sentimiento el espacio vacío que los actores y la historia dejan en la sala.

FD

http://www.downarchive.com/music/133724-ramin-djawadi-clash-of-the-titans-ost-2010.html

Retribución: Cashback Soundtrack

2010-03-20T00:14:00.000-07:00

El año pasado tuve el afán de comentar en el blog contiguo acerca de la pieza de arte que es la dirigida por Sean Ellis Cashback. El decorado estetico simple de la pelicula se ve ampliamente compensado por un guión gracioso y fantástico en el cual la historia (que demuestra una simple originalidad ausente en estos días) nos lleva a momentos graciosos, melancólicos y románticos a través de los 102 minutos de film.

No obstante no podriamos darnos el lujo de alabar este diamante en bruto sin percatarnos de una banda sonora que, a pesar de no contar por completo con una musicalizacion de orquesta, esta calibrada para lograr un equilibrio que describo como "más que idoneo, ideal" en el ambiente de la pelicula. La muestra musical cuenta con cuatro "temas principales" creados y conducidos por el compositor británico Guy Farley, quien sería el creador de otras composiciones para series televisivas y otras miniseries. La esencia del film se ve plasmada en estas cuatro opciones que Farley entrega para demostrarnos la fatídica historia de Ben y su reacción ante el mundo, ante las relaciones y ante su mayor elemento que es el tiempo. La muestra sonora nos recuerda mucho a la Gnossienne N°4 de Eric Satie, melancólica y aletargada como el tiempo mismo.

Cuando el tiempo se mueve existen otras alternativas para nuestros oídos que varian desde Ludwig Van Beethoven con su sonata a la luz de la luna hasta la Casta Diva del compositor italiano Vincenzo Bellini y el Bolero de Maurice Ravel. La música después opta por un cambio de clásico a la cultural griega con el Trio Hellenique, atravesando por etapas actuales como lo son Royksopp y Peaches con sus alternativas electrónicas.
La mezcla parece no tener un sentido cierto cuando se agrega el sencillo que como su nombre lo explica, Funk the Rich de Malente oferta un lado funky del album que se ve opacado por el indie rock de Grand Avenue (She), Bryan Adams (Misterious ways) y The Blacks Keys (Girl is on My Mind). Esta decoración surrealista nos demuestra que la vida tiene altos y bajos que no podemos evitar ni demorar por mucho tiempo. el amor se ve engorroso y complicado, pero al fin y al cabo es amor. Frankie goes to Hollywood encara su Power Of love con una belleza insuperable, un tema que nos recuerda la vieja escuela de baladas al puro estilo de la década de los 80's.

la última opción (y en un defecto personal, mi favorita del album) es un tema llamado Inside de Bang Gang, banda proveniente de Islandia que cuenta con tres albums desde 1998. La pista es una balada romantica de latencias ausentes de percusión definitiva y arreglos minimalistas de sintetizadores. Los sonidos se ven abrumados por una voz femenina de excelente tono, con una cadencia en aumento que termina en un final de forte carente de vocal con una ampliedad de instrumentos y una percusión recurrente que quizás nos recuerde a las baladas de bandas como U2. La esencia se desvanece poco a poco entre las notas de un glockenspiel que demanda la cadencia del ritmo hasta el final.

Como conclusión solo queda decir que la opción del film y de su Banda Sonora se venden por si solos debido a la gala de artistas que ellos presentan y la movilidad de sentimientos que representan y enseñan en su arte. Cashback es y seguirá siendo la opción perfecta para los amantes de la buena música, para lo amantes del buen cine para el coleccionista afanado que adora un claro ejemplo de cómo deben mezclarse los distintos elementos para un bien mayor.

FD

Requiescat In Pace: Assassin's Creed II OST

2010-03-06T10:45:00.000-08:00

En Noviembre de 2009 salió para las consolas de Playstation 3 y Xbox 360 la secuela de la historia de Desmond Miles, quien deja el rol del asesino medieval Altaïr ibn La-Ahad para adentrarse en otro ancestro asesino de nombre Ezio Auditore di Firenze, quien dará el complemento desde la Florencia de 1476 para que Miles pueda acabar con la conspiración de las industrias Abstergo, quienes le secuestraran en la primera entrega.

Assassin's Creed II cuenta no sólo con una basta trama que da pie para un increíble videojuego, sino que así mismo demuestra experticia en cuanto a jugabilidad y habilidad instintiva a los jugadores. El marco visual difiere de la primera parte en colores, con un acabado menos monocromático y más influenciado por la época renacentista en la que se desarrolla la historia. Y por si esto no fuera suficiente para convencer, la música se llevó a cabo por la composición y dirección del músico danés Jesper Kyd.

Compositor y pianista, Kyd se ha visto envuelto en la música de videojuegos desde temprana su carrera, adjudicándose su primer exito con el lanzamiento del juego Subterrania para Sega Genesis. No obstante, su gran impulso no fue otro que la música de espionaje multicultural del juego Hitman: Codename 47 de la compañía Eidos Interactive (Io Interactive para aquella época), serie que más tarde se extendería y tendría el sello personal del danés en sus siguientes tres entregas.

La banda sonora del primer Assassin's Creed también estuvo a cargo del compositor, quien suele mezclar percusión de índole electrónica con fondos étnicos. ACII nop es la excepción, sumándole a los arreglos las famosas tarantelas y otros toques de mandolinas para acentuar el aire renacentista. Dicha percusión varia en los casos de electrónica a natural, con un coro femenino unido a los fondos de varios compases ensambla ciertas semejanzas con Ángeles y Demonios o El Codigo Da Vinci de Hans Zimmer.

Entre pistas de Suspenso y persecusión, Jesper Kyd logra fusionar la banda sonora con la trama sin pasearse por otros ambientes, dejando en claro que hay que estar alerta en todo momento si se quiere tener éxito en la vendetta familiar y la profesión de asesino.

En definitiva, la segunda historia de Desmond Miles desarrollada por Ubisoft nos declara una compra necesaria, no sólo por su gama de detalles visuales, culturales, jugables o a nivel de la trama, sino también por un impecable soundtrack que concentra al jugador y le grita un reto a convertirse en el mejor asesino.

FD

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Zimmer y Balfe con poderes deductivos: Sherlock Holmes Soundtrack

2010-02-07T19:05:00.000-08:00

La personalidad irónica y altamente inteligente del personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle en 1887 regresa a la gran pantalla gracias a la dirección de Guy Ritchie y la productora Warner Bros. El encargado de darle vida al famoso detective privado no es otro que el dos veces nominado a los Premios de la Academia Robert Downey Jr., quien acompañado por Jude Law en el papel de su fiel acompañante el Dr. John Watson, encarna al personaje de manera vivaz e intrépida, agregándole una pieza de comicidad a la estética que la convierte en una de sus mejores actuaciones en su carrera.

La muestra creada por Ritchie es un largometraje rápido y ligero, con cortes de acción, romance, comedia e incluso terror, que aunque se adjudican la presencia de modelos de films actuales, no dejan de lado el aura central de investigación y misterio que siempre rodea al detective Holmes.

Y claro está, no puede faltar nuestra pequeña intromisión a su banda sonora, la cual forma una parte intrínseca a la integración de la historia que rodea a nuestros audaces protagonistas. El concepto general es obra de Hans Zimmer y Lorne Balfe, su aliado en el OST de Call Of Duty: Modern Warfare 2. Zimmer, compositor y productor alemán, consta de una extensa carrera en películas de alto presupuesto como The Dark Knight (en conjunto con James Newton Howard), The Rock (en adición con Nick Glennie-Smith) o The Last Samurai, así como otras películas nuevas y viejas como la trilogía de Pirates of the Caribbean, Gladiator o las adaptaciones de Dan Brown The Da Vinci Code y Angels and Demons.

La obra de los compositores alberga un aire frío pero cómodo de la Londres de 1891, donde un hechicero pone a temblar la ciudad con rituales y sacrificios que deben ser detenidos por Holmes y Watson. Ese tono impávido se ve abruptamente cortado por la excentricidad de lo que podemos llamar el tema de Holmes que, aunque burlesco y rítmico, no deja de recordarnos al tema del capitán Jack Sparrow en Pirates of the Caribbean.

Pese a este alud en la originalidad, la banda sonora se destaca por mostrar una instrumentalización adecuada a la época, que en ocasiones entrega una tonalidad menos insípida y más aguda en los momentos de suspenso, un claro recordatorio de que Zimmer es el maestro de las secuencias acción. Una versión mas longeva y maltratada (no obstante, para nada deforme) es mostrada en las formas del villano quien incauta hasta los más puros en la trama, un verdadero goce de las propiedades maquiavélicas en los arreglos musicales.

La combinación de Zimmer-Balfe es una buena muestra de lo que debe hacerse cuando se trata de momentos de investigación bajo presión, de cómo un personaje puede estar al corriente de todo y que la música parezca guiarle a través de su camino hasta la verdad.

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Tezuka y Ottman: Astroboy Soundtrack

2010-01-31T10:02:00.000-08:00

Renovada con nuevos efectos de animación 3-D, un relleno de colores y personajes nuevos de gran calidad, la historieta japonesa publicada por primera vez en 1952 de la mano de su creador Osamu Tezuka llega a la gran pantalla de manos del director David Bowers, responsable de la comedia de ratones Flush Away (Lo que el agua se llevó) en 2006. Astroboy no sólo promete un mejorado gráfico desde su primer antecesor por primera expuesto en 1963 como una serie de 20 minutos por capítulo, sino que también sirve de punto de colección para aquellos fanáticos que crecieron viendo al héroe robótico salvar la cuidad de múltiples situaciones.

El Film cuenta con una historia y un acabado visual que, a pesar de ser "simple", llena completamente las expectativas tomando planos directos y llevando al grano las situaciones de un modo convencional, tradicional pero bastante bien realizado. así mismo se puede hablar de su dirección musical.

La compocisión estuvo a cargo de John Ottman, el famoso compositor y director fílmico quien parecía estar más que a la altura para tomar la perspectiva del héroe japonés que cuenta únicamente con 13 años en la historia. La carrera de Ottman puede verse identificada en su colaboración con el director Bryan Singer para la segunda entrega de los X-men en X2: X-men United y en las adaptaciones que el compositor tuvo que realizar basadas en las pistas originales de John Williams para el film de Superman Returns del mismo director. Y por si esto fuera poco, Ottman también cuenta con un largo entramado de films que incluyen las dos secuencias de los 4 Fantásticos (Fantastic Four y 4: Rise of Silver Surfer) , Gothika, The Cable Guy o Valkyrie, última protagonizada por Tom Cruise y dirigida por Singer.

Los arreglos musicales creados por el músico americano derivan un theme muy heróico, desglosado entre aventura y fantasía, un logro que lejos de sentarse como poco complejo, da un tono de armonía entre los sucesos de la trama y los movimientos instrumentales. Por otro lado encontramos los arreglos suaves o sentimentales (que afortunadamente no consiguen una melancolía definida) airadamente influenciados por bandas sonoras de antaño como Edward Scissorshands y otras compocisiones levemente melancólicas de Danny Elfman, compositor dedicado a las excentricidades musicales cuyos esfuerzos de música suave dan frutos que superan las expectaciones del público.

Ottman logra una escenografía simple pero necesaria del marco que cubre a Astro y sus amigos a través aventuras variadas para derrotar a los villanos d ela historia, cumpliendo con las características musicales de un héroe, de un niño y de un aventurero cuyas hazañas (a modo casi de guiño) parecen tocar los bordes de la historia de Peter Pan y Pinocho al mismo tiempo. El director americano nos deja una entrada que puede bien ser un buen artículo tanto para el coleccionista de bandas sonoras como para el amante del manga creado por Tezuka.

FD

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Cumpleaños!: Top10 Momentos Score

2010-01-15T20:27:00.000-08:00

Aprovechando el día de mi cumpleaños, me dedico a enseñarles una pequeña muestra de preferencias personales con respecto a los scores de ciertas películas que, además de llenar mis días de momentos de acción, aventuras y terror, me han inspirado a escribir historias y más allá, a crear este blog para ud. Así pues, les muestro mi Top 10 con las diez primeras pistas que llenan mi repertorio de bandas sonoras:

10.- "I Rise, You Fall". Película: Transformers: Rise of The Fallen.
Steve Jablonsky completa la secuela del film de Transformers con un imponente tono de percusiones fuertes y el theme de los autobots con pocas latencias para dar una impecable esencia de Honor, Fuerza y decisión de parte de nuestro amado Optimus Prime en contra de su antecesor y de su némesis Megatron. la música asciende en un Forte que aumenta su velocidad mientras el héroe así mismo se levanta para acabar con sus enemigos.

9.- "The Birth of Sandman". Película: Spider-man 3.
La tercera entrega del héroe que todos amamos viene compuesta por el compositor Christopher Young y apoyado por otros músicos, quienes nos traen esta hermosa propuesta de una nana sombría que pudiera facilmente haber sido llamada "Sandman's Lullaby". Entre la impotencia, el horror y la confusión, una criatura mitad hombre y mitad arena se levanta por el recuerdo de su hija y así mismo nace un nuevo villano para nuestro querido Hombre Araña.

8.- "Anakin v.s. Obi-Wan". Película: Star Wars Episode III: The Revenge of The Sith.
Para la venganza de los Sith, el compositor John Williams lidió de manera pulida el enfrentamiento de los amigos y hermanos Jedi a través de los temas del Imperio y de la propia saga, dando a relucir una batalla que lejos de parecer eterna, se desarrolla como la propia guerra entre el bien y el mal.

7.- "All That Is Good". Película: The Watchmen.
Un contorno en el cual los héroes saben que no pueden salvar a la humanidad, enfrentándose a sus propias debilidades, Todo lo que es Bueno parece denominarnos a un estado de rendición con un minimalismo de sonidos. Los violines y la tonada de un piano se acoplan con los coros para darnos una sensación de que quizás todo sucede por una razón.

6.- "Molossus". Película: Batman Begins.
Ciudad Gótica es atacada desde varios puntos y el caos reina; Hans Zimmer se encarga de un espectacular despliegue de percusión de guerra y una imponente puesta de violas y violines que parecen vibrar en el aire de la capa de nuestro héroe mientras (con un gran suspenso) hace todo lo que está en su poder para acabar con Ra's al Ghul, el fiero y oscuro maestro de Bruce Wayne.

5.- "Science and Religion". Película: Angels and Demons.
La carrera contra una vieja organización llamada los Illuminati, trae a Landgon a explorarlos recónditos lugares de Roma y bella arquitectura, mientras el tiempo parece estar en contra de los cardenales del Vaticano. La propuesta nos muestra una secuencia de en donde el nerviosismo, los coros iluminando un camino aparentemente oscuro y una salvación casi milagrosa y entretejido de organos con solos de violin nos demuestran la deidad y el aparente lado oscuro de la tecnología.

4.- "Souped Up". Película: Ratatouille.
El comienzo, leve y casi espontáneo de una guitarra acústica nos induce a una cocina donde los alimentos parecen volar mientras se incluye poco a poco velocidad a la mezcla y, como si nossotros mismos estuvieramos cocinando y agregando ingredientes, en el casi minuto de pista se añaden xilófonos, saxofones y otras adiciones del jazz típico de Michel Giacchino como platillos altos y bajos con una bella percusión de batería que termina en un súbito descubrimiento que nuestra "ratita" es la que está cocinando.

3.- "Prawnkus". Película: District 9.
Clinton Shorter nos trae un jarrón repleto de cultura africana, una melodía de mucha cadencia que nos muestra un lado muy espiritual de las cosas y un momento de paz en antítesis de lo que viene recibiendo el expectador. Sítaras y guitarras acústicas nos muestran con un fondo envuelto en variaciones de cuerdas la voz de un hombre de cultura aborigen su melodiosa y étnica voz cantando a la libertad.

2.- "Watch the World Burn". Película: The Dark Knight.
Quizás la más oscura de todas las visiones. Un sexteto de chellos acompasados en toques muy graves presiden (pareciendo todo esto un funeral) la puesta en escena de la caída del héroe blanco hasta su más bajo estatus: el villano. Todas las lógicas y morales son puestas en duda mientras el dolor se acrecienta en los sedientos y góticos casi cuatro minutos en los que se retuerce la verdad y se hace mucho menos soportable, hasta el punto de querer olvidarlo todo por temor a volverte loco.

1.- "A Small Measure of Peace". Película: The Last Samurai.
En la batalla final, cuando ya no queda más nada que perder, el personaje del film se percata de que solamente es el Honor de la batalla y el poder decir que la lucha por un ideal vale la pena, incluso para morir. Hans Zimmer crea en juxtaposicion la parte negra de la batalla, la caída y la derrota, para después ir al plano del Honor, de la Valía y la Amistad. El tema vuelve a decaer con el fin de un imperio que lideró por miles de años la antigua Japón, y que ahora parece desaparecer con el clamor del último Samurai, quien mal herido y sonriente, da a explicar que todos tiene su destino en la vida. En una nota personal, colocó esta pieza como número uno por su alto nivel de sentimiento, por las enmarañadas muestras de cuerdas, que siguen y quedan perpetradas por el sutil toque del shamisen (sítara japonesa), y los fondos de trompas, quienes callan y dejan a los violines mostrarnos que en medio de todas las cosas existe Una Pequeña Pieza de Paz.

El ascenso de Avatar y el Descenso de Horner: Avatar Soundtrack

2010-01-05T21:11:00.000-08:00

Tras una ausencia de 12 años de los cines, el director canadiense James Cameron vuelve con otro atrevido señuelo de taquilla llamado Avatar. El film, que recrea un futuro de explotaciones mineras en un planeta extraterrestre, aporta un gran marco estético y una gran calidad de efectos especiales así como un digno espectáculo de fotografía y animación computarizada. A pesar de la grandeza y la atención formada alrededor de la película, la historia (escrita también por Cameron) se posa sobre ritmos bastante predecibles con una trama simple, que bien puede ser justificada por el fuerte del marco visual.

Si bien entendemos que Avatar fue creada con el propósito de captar la atención del público, el sonido fue la debilidad de todo el proyecto. Los efectos de sonido correspondientes con algunos de los animales expuestos en la historia no solamente recuerdan, sino que reactivan la mente de aquellos que vieron pasear y destruir al increíble T-Rex o a los temibles Velociraptores de la saga de Jurassic Park de Steven Spielberg.

En materia de música la composición de los temas estuvo a cargo del compositor americano James Horner, ganador del premio Oscar por su composición para la película Titanic (en la que colaboró con Cameron en 1997). El estilo de música creado por el compositor varia desde The Mask Of Zorro, Enemy at the Gates, Jumanji o algunas más antiguas como The Rocketeer o Willow; ganando así una extensa variedad de formas y culturas diferentes, combinando en su fuerte la música celta y la mezcla intrínseca de la electrónica en la música y las integraciones corales.

Cabe destacar que de aquella mixtura han salido varios debates en los que se explica que el compositor termina añadiendo muchas de sus partituras (y algunas de compositores ajenos) a sus filmaciones siguientes. Un caso específico es la ordenación de trompetas y trompas en la película Enemy at the Gates, misma ordenación que puede ser fácilmente identificada en otras películas como Troy, The Mask of Zorro o en su última creación, Avatar. No obstante, dichos debates y réplicas no han interrumpido a Horner en una carrera de nominaciones al premio de la Academia que varían desde Apollo 13, A Beautiful Mind o Braveheart.

Ciertamente la experiencia de más de 70 films y el aprendizaje de un Master en Música de la University of California le han adjudicado una gran reputación que comenzaría con el film The Lady in Red en 1979, pero que a su vez no sería suficiente para salvar su creación del 2009. El film, por contener una historia que se arraiga en los fondos de la selva, contiene un alto grado de espiritualidad y convivencia con la naturaleza que rara vez se ve en el cine; no obstante, alejando los sonidos minimalistas y los vocablos aborígenes utilizados en algunas partes, el álbum creado por Horner carece de originalidad.

Podemos empezar nuestra selección de ideas tomando en cuenta la propia carrera fílmico-musical del compositor para entender el porqué podemos escuchar arreglos hechos exclusivamente para Troy o el mismísimo Titanic dentro de las pistas del álbum. Las escenas de suavidad y contacto, de esparcimiento y amor, nos recuerdan a la nana de Gasparín o Casper’s Lullaby creado para el film homónimo dirigido en 1995 por Brad Silberling, así como algunas piezas de The Bicentennial Man, creado en 1999 por el director Chris Columbus. La valentía y la estratagema, la fuerza y la pelea, se ven representados en una mezcla de flautas celtas y timbales en comparsa con tambores de origen indígena, mezcla musical de muy buena calidad, pero vista en anterioridad en películas de corte bélico como Braveheart, Troy, Apocalypto o Enemy at the Gates.

Y para resaltar la repetividad del álbum con respecto a sus predecesores, el compendio cuenta al finalizar el score con una canción interpretada por Leona Lewis quien (sin ánimos de ofender) representa la tan ya contada tradición de unir la banda sonora a un tema casual que pueda dar audiencia y aumento en los motivos publicitarios del soundtrack. Si no hay un convencimiento del hecho podéis recordar el dúo James Horner-Celine Dion que fue establecido en los films The Bicentennial Man con “And Then You Look at Me” y después en Titanic con “My Heart Will Go On”, el último ganando millones en ventas del soundtrack por la interpretación de la cantante canadiense.

A pesar de un esfuerzo increíble y contar con una trama que, aunque se muestre obvia no deja de asombrar, el gran defecto de Avatar es una banda sonora mal proyectada, mostrada como el desmonte de varios éxitos del pasado que no deberían volver. El film, sin embargo, no esta falto de atracción debido a su gran despliegue técnico y una impecable muestra visual, con grandes personajes y buenos actores. El Score por su parte, se desvía de los propósitos para lo cual fue creado y llena el espacio necesitado por poco, recreando con gracia y un estilo propio grandes hazañas, pero sin dejar espacio a la originalidad ni la creatividad, quedando a la expectativa la pregunta de si el director americano podrá crear una nueva pieza digna de ser recordada no como otra copia de sus anteriores proyectos.

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La Luna Nueva Revelada: New Moon Soundtrack Pt. 2 (The Score)

2009-11-26T21:38:00.000-08:00

Como recordareis en la primera reseña respecto a este soundtrack, el compositor francés Alexandre Desplat es el encargado de darle vida no solamente a los amantes Edward y Bella, sino también a una nueva gama de personajes en la película Luna Nueva, dirigida por Christ Weitz.

Sin más que añadir a le relevancia del articulo anterior, podemos explicar con gran naturalidad que la banda sonora que se extiende a través del milimetraje de Weitz lleva mucho más que notas y acordes. Desplat (tras un galardonado y a la vez monótono score desempeñado en The Curious Case Of Benjamin Buttom) no desplaza a un mundo en el que no sólamente conviven los vampiros, sino también los licántropos.

A partir de una primera pista homóloga al film, El compositor oriundo de París llena de magia y color el escenario, escenario que otrora quedara corto por las partituras de Carter Burwell (Encargado de la banda sonora de la primera pelicula titulada Twilight o Crepúsculo). El suite compuesto por el parisino muestra una gran gama de movimientos alternados entre cuerdas y viento, que asemejándose a una lucha de viones y trompas, nos recuerda a la enemistad jurada entre los lobos y los vampiros.
En un nivel general puedo decir que el Score se divide en varias etapas (tal y como se aprecia en cualquier otro score, cabe destacar), en los cuales Desplat aplica distintas técnicas musicales sin que su totalidad pierda la escencia de la historia. El compositor se catacteriza por un amplio sentido de la melancolía, que puede profezarse como su estilo único, logrado con u exito rotundo en los momentos de tranquilidad y amor. no obstante, se percibe una ligera forma de suspenso y misterio a través de las numerosas canciones.

El segundo estilo marcado es el oscuro; existe una relación entre lo que Desplat considera como misterioso o terrorífico (digno seguimiento a los cambios de fase de los lobos) y lo que se encuentra en las peliculas de terror de la década de los noventa. Dicho misterio (no muy original pero bastante efectivo) viene acompañado de un suspenso que va creciendo conforme avana la historia, hasta convertirse en una auténtica pista de acción. Contrario al fuerte de Desplat, la acción se ve influenciada en gran medida a los seguimientos de negras en violines con una melodía poco melódica y altamente compleja de los clarinetes y flautas con percusión constante, primitiva (concordante con el estilo de The Lost World: Jurassic Park), creada y aplicada en numerosos films por el compositor americano John Williams. No obstante, lejos de un halarde de copia, el suspenso expresado de esta forma se denota como necesario, para la conexión entre el "terror" y el suspenso de la trama.Desplat maneja de manera coherente (y más que perfecta) esa aura de espera que podemos localizar, dejando que la musica evolucione por si sola. Va acrecentando los toques, algunos demostrando un nivel de experiencia en los trasfondos que solamente (debo admitir) son apreciables de grandes compositores de la talla del Sr. Williams. Y sin variabilidad, ésta es la más alta influencia del compositor europeo para este film.

Los instrumentos de cuerda llevan el camino hasta los Vulturi (fieros vampiros en la historia), en donde la música se hace seca y monótona; siempre mantiendo el espíritu msiterioso y ominoso del film, y la melodia engendrada por el parisino. La percusión y las flautas iluminan el camino nuevamente y nos dan la percepción de la lucha en el mayor climax del film.

El tema final, nos demuestra a modo de conclusión una versión más movida que el comienzo. Este sencillo inquieto, recorre el suite nuevamente con una fuerza renovada y de forma festiva, sin hacer escasez de esa añoranza descriptiva. No obstante, el melodia se muestra mucho más enriquecida que al primera muestra entregada por Desplat titulada The Meadow. el piano se encuentra acompañado por los violines, quienes dan ese abrigo de calidez y portentosidad y fianlmente le abandonan en una languidez que finaliza en el solo de piano original, esta vez segundado por un arpegio de flauta que le sigue hasta su final.
Alexandre Desplat envuelve la historia que comenzo con el crepúsculo de Burwell, ahondando más en la oscuridad de la mitología de los seres que habitan en ella, y extendiendo el nivel sentimental que Bella y Edward recalcan en su amor imposible. Y en una opinión personal, un Soundtrack que debe ser rendido como pieza para el coleccionista convencional de bandas sonoras.

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Los Vigilantes bajo supervisión musical: The Watchmen Soundtrack and Score

2009-11-19T22:03:00.000-08:00

La novela gráfica alusiva a la crítica de los héroes enmascarados que Alan Moore escribe en el año de 1986 obtuvo un éxito tan alto que, tras convertirse en una novela de culto, ganó la apreciación de la productora Warner Bros. para ser representada en un film lleno de intriga, acción, humor negro y un nivel de violencia seca digno del escritor inglés. La película traía consigo un alto nivel de curiosidad entre los críticos de cine, una gran expectativa por parte de los fanáticos de Moore y la gran esperanza para los jóvenes seguidores de los cómics de que no se convirtiera en otra fracasa versión de una historieta.

El director del film Zack Snyder (quien se apañara el éxito de la versión fílmica del cómic de Frank Miller 300) creó un ambiente propicio para la época de la década de los 80's, donde se desarrolla la trama en la que varios hombres normales, comunes y corrientes deciden tomar la justicia por mano propia, no siendo finalmente ellos, los verdaderos jueces del destino del mundo.

Para la compocisión del film, Snyder se reunió con su colega de 300 Tyler Bates, quien compondría además temas de películas como The Day The Earth Stood Still (El Día que la Tierra se Detuvo) o The Crow: City of Angels (El Cuervo 2: Ciudad de Angeles). No obstante, el film cuenta no solamente con el talento del compositor americano, sino que cuenta con una gran gama de pistas que no solamente cuentan con la debida ambientación a los años ochenta en donde los "vigilantes" cuidan las calles, sino que la mayoria de las canciones son nombradas en la novela gráfica.

El Soundtrack

Varios artistas conocidos de la década consiguen su puesto entre los enmascarados; entre ellos el guitarrista Jimmy Hendrix con All Along the Watchtower, de las viejas sonoras de guerra y paz. Le siguen no con menos fuerza el poeta, novelista y cantautor canadiense Leonard Cohen, responsable de la famosa canción Hallelujah (A pesar de su posición religiosa inclinada al Budismo Zhen) y la cantante hippie proveniente de Texas, Janis Joplin con su Me and Bobby Mcgee, una versión de la canción original escrita por Kris Kristofferson y Fred Foster, grabada para el album Pearl de la cantante americana días antes de su muerte en 1970.

Podemos apreciar de cuarto y quinto lugar a la banda de funk, disco y R&B, K.C. and the Sunshine Band con I'm Your Boogie Man (canción que saliendo en su album Part 3 en 1976, lograría el primer puesto en el Billboard Hot 100) y el músico barítono americano Nat "King" Cole con su "inolvidable" Unforgettable, escrita por Irving Gordon cuyo primer titulo fue Uncomparable, y tras un cambio de la compañía publicitaria se transformó en el clásico que hoy conocemos, el cual fue publicado en el año 1951.

En una sexta pero no menos importante posición encontramos al cantautor de música country rock Bob Dylan, quien no solamente aparece en la muestra enmascarada por su simple The Times They're A-Changin , sino que además lo encontramos entre las cuerdas de Hendrix (pues la letra es obra del músico Country) y en la séptima pocisión musicalizando su famoso Desolation Row por la banda americana de pop-punk My Chemical Romance. Existe una alta influencia de Dylan (nombrado uno d elos compositores mas influyentes del siglo XX) desde la novela hasta el film, debido al contenido filosófico, político y social de sus letras, en armonía con la temática mostrada por los vigilantes enmascarados de Moore.

Simon & Garfunkel nos cuentan el single The Sound of Silence, canción escrita en 1964, en referencia a la muerte del presidente de Estados Unidos John F. Kennedy. originalmente, el título se formaba con la palabra Sound en plural, pero después fue areglada para quedar en singular, aunque ambas palabras sean usadas en las letras del sencillo.

Bajo un juego de sátiras y honores, la Orquesta Sinfónica de Budapest y Nina Simone hacen su parte uno por uno; el primero honrando y fortaleciendo la guerra vista desde el ángulo de Francis Ford Coppola en Apocalypse Now (Apocalipsis Ahora) con la carrera de las valquirias o Ride of the Valkyries, compuesta en el año 1851 por Richard Wagner como la apertura del tercer Acto de la obra operística Die Walküre (La Valquiria). Nina Simone, cantante, escritora y activista de los derechos civiles, canta majestuosamente el sencillo Pirate Jenny, originario de Bertolt Brecht y Kurt Weill, poetas y directores alemanes de la década de los 20's quienes crearon el musical The Threepenny Opera (La ópera de los tres centavos) en 1928, cuya traducción al inglés (con un toque más oscuro para captar la revolución negra en los derechos civiles por parte de Simone) sirvió de inspiración al escritor Moore para crear lo que aparece dentro de las letras el famoso Black Freighter o Carguero Negro, una historia alterna e interna de la novela, cuya representación fue llevada directamente a un cortometraje animado por no tener cabida en la ya intrincada y larga historia del film.

El jazz que acompaña a los viejos vigilantes del film corre a cuenta de la cantante de los 40' Billie Holiday con el sencillo You're My Thirll, compuesta en 1933 por Jay Gorney con letras de Sidney Clare.

Para entretejar nuestro amor por la música minimalista, os concedo el grato placer de escuchar la última pieza del album, diseñada por The Philip Glass Ensemble en 1982 para la pelicula de culto Koyaanisqatsi (Vida fuera de equilibrio en idioma Hopi, tribu americana), un documental dirigido por Godfrey Reggio que explica el impacto negativo del mundo moderno sobre la naturaleza. la pieza cuenta con dos partes de dicha banda sonora llamadas Pruit Igoe y Prophecies, unidas para la edicion del soundtrack de The Watchmen. El ensamble es un grupo musical creado por el compositor minimalista Philip Glass en 1968 con la función de representar su musica experimental.

El Score

La historias de los vigilantes que cuestionan sus propios principios y luchan contra la vejez y el cambio de los tiempos está escrita, compuesta y ejecutada por el compositor americano Tyler Bates quien, además de haber trabajo con el director Snyder para darle vida a Leónidas y sus espartanos en 300, ha colaborado en soundtracks de películas del director y estrella de rock Rob Zombie como Halloween y Halloween 2, así como también ha entregado composiciones para video juegos como Army Of two: The 40th Day o Watchmen: The End is Near.

A pesar de contar con una influencia extensa como Frank Zappa, Led Zeppelin, Kiss, U2 o King Crimson, Bates incluye una selección electrónica y alejada de las melodías que encontramos normalmente en una banda sonora orquestada, que incluso podríamos recordar de compositores de la forma de Clint Mansell en Doom.

La música ocurre en un aire de escepticismo y misterio. El aura se ve envuelta por toques no armónicos pero suaves de piano mientras sonidos envolventes desarrollan la cercanía a lo desconocido. La acción es repetitiva y poco inovadora. Rockero por afición, Tyler Bates retrata a los vigilantes en estas pistas como una crónica repetición de las escenas de los espartanos con claros riffs de guitarra eléctrica, trompetas y trombones lanzado vítores de fuerza y una percusión primitiva sin ninguna renovación en el nuevo intento. Asi mismo debemos recordar la forma en que Tyler dió una disculpa por el plagio evidente de la banda sonora del film Titus, hecha por Elliot Goldenthal en 1999. Lejos de crear una nueva forma de ver a los héroes, el compositor se resguarda en la ya delineada fórmula musical que reside en los héroes desde la salida de Spider-Man de Sam Raimi en el 2001, orquestado por Danny Elfman.

Encontramos casi escondido entre las máscaras el Requiem de Amadeus Mozart dentro de la obra. De vez en cuando podemos escuchar algunas vocales entre los pianos constantes y logra un aspecto más sobrio en algunos aspectos, apegándose más a la serenidad de la historia de Alan Moore. cuando se acerca el final de la historia, tenemos ante nosotros una composicion que lejos de repetirse evoluciona lentamente hasta ver desaparecidos sus defectos, en una pequeña muestra que opaca la acción y el misterio; el verdadero climax de la historia de nuestros héroes es revelado con una gloria desdichada, lenta y oscura, tal y como lo explicara en su novela el escritor inglés.

El Soundtrack y el Score de The Watchmen se convierten tanto en una buena recopilación de viejos clásicos de la música de los 70's y 80's, como una declaración jurada (un poco atrofiada al principio) del estilo y forma que caracterizan a la historia y que parece extraida del puño y letra del Sr. Moore en persona. Así mismo puede ser considerado como un excelente objeto a coleccionar por el aficionado a la música variada y a la obra completa de los vigilantes.

FD

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Una muestra es más que suficiente: Roar! - Cloverfield Soundtrack

2009-11-07T22:21:00.000-08:00

En el año 2008 surgió en las salas una curiosa alternativa de ciencia-ficción que contaba con arquetipos arrancados de las viejas peliculas de terror de la época dorada de los monstruos y amenazas gigantes llamada Cloverfield (o Cloverfield: Monstruo en latinoamérica y Monstruoso en España).

La película, basada en la para nada original trama de un monstruo que amenaza la ciudad de New York (pero trama que sabemos que amamos), cuenta con la producción de J.J. Abrams (Encargado de dirigir peliculas como Star Trek XI o Mission: Impossible III así como series de la talla de Alias o Lost) y la dirección de Matt Reeves (co-creador y escritor de la serie Felicity). El toque especial que le dieron a la estética del film fue la de captar toda la historia desde la videograbadora de el mejor amigo del protagonista, quien intenta rescatar a su novia mientras el monstruo destruye gran parte de la ciudad, adición que nos recuerda un poco al tan famoso Blair Witch Project.

Pero como debemos hacerle honor a nuestro nombre, aquí en BSM les traemos lo que distingue a las demás peliculas en su género; el soundtrack esta a cargo del compositor Michael Giacchino, quien cuenta con una extensa experiencia en bandas sonoras de juegos de guerra como la serie de Medal Of Honor, Black, las primeras entregas de Call Of Duty y Mercenaries entre otros. Así mismo Giacchino, oriundo de New Jersey, ha realizado trabajos para Disney en distintas ocasiones (Ratatouille, The Incredibles, Up) y ha colaborado con J.J. Abrams en otros proyecto como Star Trek XI y con los hermanos Wachowski en Speed Racer.

En los comienzos del compositor estudió en la Escuela de Artes Visuales de New York, consiguiendo grados en Producción Fílmica e Historia. Luego de estudiar música en la Escuela Juilliard del Centro Lincoln, Giacchino se establece en los estudios Disney en Los Angeles, donde comienza su carrera en la producción de varios pequeños juegos.

Giacchino recorre el mundo del monstruo (Apodado Clover por J.J. Abrams) con una banda sonora que no se extiende a través del film sino que nos muestra su poderío, terror y oscuridad en los primeros minutos y al final acompañando a los créditos finales. Los doce minutos se extienden en el realismo épico, la magnificencia del Monstruo con trompetas, una percusión que nos hace apretar las manos del asiento y una delicada y retorcida voz femenina que es digna de los viejos clásicos géneros de miedo y Sci-fi. el Theme es denominado Roar!, dándonos la visión única y exclusiva a que no existe algo más fuerte o magnánimo, más horrible o peligroso que nuestro querido Clover.

FD

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Una Luna Nueva (...Y lo que viene): New Moon Soundtrack Pt.1

2009-11-07T07:25:00.000-08:00

Tomando en cuenta el éxito logrado por los vampiros de la escritora Stephenie Meyer, me tomé la libertad de revisar el soundtrack propuesto por Summit Entertainment Inc. (productora a cargo de las peliculas de la serie Twilight). Crei ver un poco más de grupos como Paramore, Blue Foundation o quizás hasta probar con escuchar la voz del mismísimo Robert Pattinson (actor que interpreta al vampiro Edward Cullen) haciendo algunas voces en alguna que otra pista del album; no obstante lo que consegui fue bien diferente.

Y hablando de evoluciones, aquí tenemos una de ellas. El album (en un sentido global) tiene musica que sí podemos llamar con calma y regocijo, música inspirada. Las bandas destacadas en demostrar la amistad de una humana con un licántropo que a su vez esta enamorada de un vampiro, comienzan con Death Cab For Cutie con su sencillo Meet me on Equinox. La banda estadounidense de indie rock, nace en 1997 y se adjudica el galardón de ser el single del album, la canción introductoria y nuestra favorita a ser la canción theme de todo el album.

La segunda en orden de apariciones es el joven grupo británico Band of Skulls, la cual formada desde 2008, nos trae Friends, una alternativa simple pero pegajosa muy al estilo de rock europeo. De tercer lugar escuchamos Hearing Damage de Thom Yorke, el músico inglés conocido por ser el vocalista de la banda Radiohead, esta vez en un proyecto en solitario. A pesar de saber que The Eraser (lanzado en el 2006) es su primer album como solista, Yorke crea una interpretación especial para este album utilizando los elementos de la música electrónica y unas cuantas influencias de su banda inglesa, originaria de Abingdon.

Nuestra cuarta pista está ocupada por Lykke Li y el sencillo Possibility. La intérprete sueca cuenta con un único album de nombre Youth Novels, lanzado en el 2008, y en el sencillo para el album de Luna Nueva el estilo de indie-rock al que Li está acostumbrada parece mezclarse con la esencia de Eyes of Fire del Blue Foundation que presenciamos en la primera entrega de la serie de films de Twilight.

El quinto sencillo está lleno de gracia y toda el aura de la historia; The Killers con su canción White Demon Love Song, capta completamente la belleza adolescente y los periodos de amistad que llenan la vida de Bella en ausencia de Edward. un verdadero éxtio con la marca autorizada de la banda oriunda de Las Vegas, Nevada, USA.

Anya Marina se encuentra de sexta con Satellite Heart, un sencillo que habla sobre una joven enamorada de alguien que parece estar fuera de si. La Cantora estadounidense (cuyas compocisiones pueden ser escuchadas en series como Grey's Anatomy o Gossip Girl) nos trae un cómodo arreglo de acordes de guitarra y una voz algo agridulce al estilo de Macy Gray.

El favorito de la escritora Meyer se instala en el puesto número siete con el sencillo I Belong to You (New Moon Remix). La banda inglesa Muse se realza al ser el único grupo que repite desde el soundtrack de Twilight; por supuesto, gracias a las recomendaciones de la escritora de la serie, quien confiesa que la banda le sirvió de "musa" o inspiración para escribir.

Bon Iver & St. Vincent nos demuestran en su interpretación llamada Roslyn (en el puesto ocho), una interesante combinación de elementos; bajo el apodo de rock independiente, la canción cuenta con la letra de Iver, la musicalización St. Vicent y las voces de ambos, mostrando también una esencia del country. Una oportunidad ideal para unir fuerzas (y catapultar sus carreras) debido a que los dos poseen albums que fueron lanzados este mismo año.

En la novena casilla observamos a Black Rebel Motorcycle Club con el sencillo Done All Wrong. La banada americana cuenta con una version de carretera (bastante acorde con su nombre)a pesar de tratarse de una banda de Garage Rock. Sencilla y directa, la canción no tiene defecto alguno, exceptuando el recordatorio de las canciones de Rob Pattinson en Twilight.

de décimo lugar está Hurricane Bells, tocando Monsters. La banda de origen americano lanza su carrera con éste sencillo y muestra influencias muy marcadas desde The Strokes hasta Oasis. la canción tiene un ritmo (que a pesar de ser algo repetitivo y trivial), no deja de atraernos hasta moverse a su paso.

la onceava banda carece de monotonía y tristeza. The Violet Hour es limpiamente interpretada por Sea Wolf. el grupo nacido en California (que cuenta ya con tres albums) nos da una "canción de amor" con un estilo bastante alegre y algo oscuro a la vez. Sea Wolf tiene repercusiones como Interpol o The Doors en ciertos aspectos de la canción. Os aseguro que seguirán cantándola después de escucharla.

bajo el número doce se encuentra Ok Go con Shooting the Moon. el grupo de Washington D.C. opta por una canción que quizás nos traiga recuerdos del soundtrack de Juno. una percusión un tanto fastidiosa y una guitarra acústica dan pie en el comienzo a un movimiento mucho más enérgico que solamente se puede apreciar al final de la interpretación. No es precisamente una de las mejores canciones del album.

Grizzly Bear interpreta la canción Slow Life en el décimo tercer puesto, cuya armonía viene presentándose en varias canciones anteriores, y que viene a ser la esencia de la secuela de Twilight. El grupo musical americano se apaña una moda ochentosa en su música que resulta agradable al oido.

Con una tonalidad más fuerte y más compleja, Editors llena la casilla catorce con el sencillo No Sound But the Wind. quizás esta interpretación de la banda británica tiene más significancia por la simplicidad de la música y la increíble voz de su vocalista Tom Smith.

Y de último lugar (colocado como para cerrar con broche de oro) se encuentra la muestra de la música de Alexandre Desplat para la película. Cabe resaltar que el compositor Francés está reemplazando el trabajo realizado por Carter Burwell en el primer film, quien logró una excelente trabajo con el theme preparado especialmente a ser la nana de Bella (la protagonista), canción diseñada especialmente por su amado vampiro Edward.

El resto de la banda sonora de Burwell se llevo a cabo sin pena ni gloria, con acordes de guitarra y sintetizadores bajo una estela adolescente y misteriosa. Sin embargo para esta secuela Summit Entertainment decidió contratar a Desplat quien, tras una decepcionante y monótona banda sonora proveniente de The Curious Case of Benjamin Buttom, se alza nuevamente con este intrigante tema titulado The Meadow.

La propuesta es, meramente, una melodía a tono de nana o Lullaby en piano puro. Desplat reside su música en las películas de origen francés, tomando en cuenta algunas excepciones como Girl with a Pearl Earring o 11'09"01 (donde hizo colaboración con otros artistas creando únicamente el tema principal). y a pesar de que se aleja brevemente a la nana compuesta por Burwell, el compositor francés demuestra una gran habilidad al mezclar sutilmente el miedo, el terror, el amor y el sentimiento del Sad Piano en lo que podría llamar uno de los temas más hermosos compuestos para un film.

Mejorando la calidad del film, añadiendo un toque más sobrio y definido para la trama, Desplat nos deja esperando con ansias el lanzamiento del album completo (o su recorrido a través de la historia en la adptación de Melissa Rosenberg). Sin duda, Alexandre Desplat se ha reivindicado con este nuevo theme de la impávida y sin vida BSO de Benjamín Buttom.

FD

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Charlie y Snoopy bajo el pentagrama: Charlie Brown Soundtracks

2009-11-03T21:13:00.000-08:00

Los Rabanitos y su protagonista Charlie Brown ganan un viaje a Europa lleno de intriga, aventura, romance y misterio en Bon Voyage, Charlie Brown (And Don't Come Back!). Nada más se puede decir de la excelente caricatura creada por Charles M. Schulz, cuya primera aparición en 1950 creó una inmensa franquicia que cuenta con comics (tiras cómicas), dibujos animados una gran cantidad de mercancía en venta que aún hoy, a casi 10 años de la muerte de su creador, sigue en pie.

Snoopy, la famosa mascota de Charlie le acompaña en esta increible odisea; contemplando juegos de tenis en Wimbledon o tomando cerveza de raíz en los bares de Francia, el famoso Beagle (junto con su volador amigo amarillo Emilio/Woodstock) recibe una serie de musicalizaciones dignas de recordar. La música de las primeras animaciones de Charlie Brown y sus Peanuts (nombre original traducido como Rabanitos, y causa de la molestia de Schulz por ser un titulo añadido por la editorial en contraposición a su titulo original Lil' Folks) así como las primeras peliculas fue compuesto por Vince Guaraldi, quien marcó la música de los famosos chicos con el Tema principal de la caricatura cuyo nombre real no era el de Peanuts Theme sino Linus and Lucy, refiriéndose a los dos miembros de la pandilla de chicos.

Guaraldi, jazzista americano y pianista, reconocido por su colaboración a los Rabanitos, compone la música para el show de Televisión y el primer largometraje de Brown titulado A Boy Named Charlie Brown, seguido de varias compocisiones que son removidas para la segunda pelicula debido a que Schulz deseaba un aire más arraigado a Disney por la esencia que el film musical Snoopy, Come home tenia (Un Soundtrack alterno con las composiciones de Guaraldi seria lanzado At Honorem). La nueva música para esta pelicula estaría a cargo de los Hermanos Sherman (el dúo de compositores musicales que se adjudica bandas sonoras de éxitos de Disney como Los Aristogatos, Mary Poppins, La Espada en la Piedra o El Libro de la Selva). Tiempo después, el famoso compositor nacido en California fallece de un ataque cardíaco habiendo terminado la musicalización de It's Arbor Day, Charlie Brown, un especial televisivo que Schulz preparaba para el día de plantar árboles. Guaraldi deja el legado de los Rabanitos a sus escasos 46 años de edad a Ed Bogas en 1976, quien a partir de ahora compondría la nueva música para la pandilla.

Siguiendo la linealidad musical del compositor y jazzista californiano, Bogas, músico de Rock y compositor, retrata varias facetas de las aventuras de Charlie y Snoopy en las últimas películas que saldrían a continuación; Race For Your Life, Charlie Brown en 1977 y la última de ellas (Y mi favorita he de añadir) Bon Voyage, Charlie Brown (And Don't Come Back!) en 1980.

Detrás de este último título, podemos encontrar no solo las composiciones de Bogas (versiones y productos de la inspiracion de Guaraldi, más la ayuda de la compositora Judy Munsen), sino también se encuentran algunas canciones de gloriosos artistas de las décadas anteriores a su lanzamiento como la cantante Doris Day, el compositor británico Jules Styne o el grupo de canto hamonioso de las hermanas Andrews, entre otros. Snoopy se ve atrapado entre los violnies taciturnos de las calles de Londres, la negligencia de ganar un buen partido muy al estilo musical del 70', la alegria de un acordión francés y varias otras canciones con grandes estilos marcados (como el sarcasmo en una escena de lluvia al tema de James Bond compuesto por Monty Norman/John Barry).

La música se ve involucrada dentro de la pelicula a tal modo que podemos apreciar a Snoopy riendo por temas de Jules Styne y luego llorando por la voz y "melancolía" de Doris Day. A esto podemos añadirle la sátira de su amigo alado Woodstock (Emilio en España) danzando y haciendo el Tempo con la pata para comenzar a tocar el violin de la música de los diferentes artistas en el bar o gracias a la música de Bogas en pleno incendio. Llas interpretaciones de Bogas se pueden dar como instrumentos de alivio, tensión, comedia y romance dentro del largometraje bajo la tutelada inspiración de la música tradicional de cada país que Charlie Brown visita (Francia, Inglaterra) sumándole ese toque de parodia jazzista que se mostró calado por mano de Guaraldi.

Tanto para quien adora ver las desventuras del chico calvo de camisa amarilla y franjas negras o las ocurrencias del beagle blanco, como para quien ama el jazz, la parodia o la música ambientada, encontrará en los títulos de Charlie Brown (llevados a tono por Guaraldi y Bogas) una rígida oportunidad de buena música, un buen clásico difícil de olvidar y a la vez un recuerdo para toda la generación que se crió con el perrito pensando sobre su casa.

FD

Sonido Minimalista Ganador: Moon Soundtrack

2009-10-31T11:00:00.000-07:00

Moon es una pelicula cuya trama se mantiene sobre el empleado de la empresa coreana Lunar Industries Sam Bell (encargado de extraer Helium-3 de la superficie lunar), quien sufre de una crisis personal a bordo de la estación lunar Sarang. El thriller de ciencia ficción está dirigido por Duncan "Zowie" Jones (único hijo del famoso cantante David Bowie) y protagonizada por el actor Sam Rockwell en el papel del astronauta, y Kevin Spacey en la voz de su ayudante robótico GERTY.

La pelicula (primogénita de Jones), que fue lanzada en Junio de 2009 con buena recepción por parte del público, fue adornada con toques simples y monoacordes de un piano y una caja musical llevados a la ejecución por Clint Mansell, compositor británico cuyo más alto reconocimiento fue su aporte a la banda sonora de Requiem por un Sueño, consiguiendo que la canción Lux Aeterna se convirtiera en musica icono y de culto. La misma canción sería reeditada para ser usada en muchos comerciales de El Señor de Los Anillos por el nivel de fuerza y suspenso que da el Forte de sus violines.

Mansell regresa después de un soundtrack poco hablado demostrado en The Wrestler (Pelicula de Darren Aronofsky) para dar monotonía y vacío a este film cargado de filosofía humana. Tras las montañas lunares y una puesta en escena desolada y "tranquila", el piano y arreglos de sonido que imitan al espacio insonoro de las bases de la Luna dan un aire espectral que es digno de reconocer. El británico (cuyas composiciones se vieron envueltas a su vez en films como Doom o Smokin' Aces) recrea el minimalismo de la música con tonos repetidos y percusión básica y lenta dentro de la compocisión. No obstante, lejos de empobrecer la banda sonora, la partitura logra compenetrar en lo más profundo de los pensamientos y momentos del protagonista Sam Bell, quien "se descubre a sí mismo" a través de los escombrosos recordatorios de viejas tramas como Odisea 2001 o Solaris.

Quizás no un profundo éxito musical, pero si una acertada opción de Zowie Jones al retratar la soledad del espacio y el estruendo de los pensamientos gracias a la mano y obra de Mansell.

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La Magia de Tarantino y Morricone: Inglourious Basterds Soundtrack

2009-10-26T22:17:00.000-07:00

Basándome en éxitos anteriores, me dediqué a descargar el Score de los Bastardos sin Gloria del afamado director del género "gore" Quentin Tarantino. El director (quién expresa sus ideas mediante el borboteo constante de sangre) es así mismo famoso por buscar arte ejemplar y único para la música de sus películas.

En este caso, la película está tramada en tres historias sobre la Alemania Nazi, no obstante se muestra en la publicidad nada más varios exprisioneros de los nazis en busca de venganza como soldados. Y quién mejor que Ennio Morricone para alumbrarles el camino? esta es otra de las veces que Quentin emplea al legendario compositor italiano en sus films. La música de Morricone fue usada en Kill Bill y Death Proof, mas esta fue una excepción en la que el propio compositor indicó que no tendría tiempo para entregar una partitura completa.

Quentin, eterno fanático del "Spaguetti Western", indicó ser un gran admirador de Morricone, quien lograra la fama y eterno recuerdo de los fanáticos y críticos por su inolvidable compocisión en The Bad, the Good and the Ugly. Morricone repite, con sus visiones de guitarra (muy a lo vaquero western) con toques de cuerdas y percusión en un estilo solo recreado por su genio. Podremos encontrar incluso una especie de sátira al Für Elise de Beethoven dentro de algunoa de las pistas. El Score incluye tambien toques de trombones y trompetas para armonizar con la valentía de los soldados.

Y por si fuera poco, el Album (cuyo link coloco abajo para los seguidores) contiene muchos otros artistas de la talla de David Bowie, Lalo Schifrin (Compositor argentino creador de los themes de Starky & Hutch y Mission: Impossible), una vieja canción alemana cantada por Lilian Harvey y willy Fritsch (La pareja de amor ideal del cine alemán de la década de los 30'), una canción-homenaje al difunto director musical Nick Perito, Una version de The Man with the Big Sombrero representada por la actriz Samantha Shelton y el compositor de la música de Donnie Darko Michael Andrews, más otras finales orquestadas y vocalizadas por la cantante sueca Zarah Leander.

A pesar de contar con maravillosos artistas, la banda sonora mantiene un pequeño defecto; la inconsistencia en la materia por falta (y a la vez sobra) de un verdadero Theme o Tema para el Film. Debido a la múltiple variedad de compositores, cantantes y otros artistas de alto calaje, se crea un ambiente de contraste que evita poder identificarse con el album esperando ese "Tema que nos levanta los vellos de los brazos". Una baja para Tarantino quien dejando para este film la musica a cargo de alguien más, había logrado un éxito rotundo con bandas sonoras Iconos como lo fueron Pulp Fiction o la predecesora de los Bastardos, Kill Bill; ambas contando con los respectivos Temas (Misirlou de Dick Dale para Pulp Fiction y IronSide de Quincy Jones para Kill Bill) que al escucharlos sabemos inmediatamente que proviene de la magia de Tarantino.

El violento director apuesta esta vez a una llamada "lista posible" de canciones y covers que, excluyendo a la fuerza de Morricone, pareciera querer llenar espacios vacíos dejados por su falta de tiempo.

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LLuvia de Hamburguesas! Y Porqué no de Compositores??

2009-10-25T19:02:00.000-07:00

El día de hoy os dejaré con otro Soundtrack que me pareció lo suficientemente entretenido como para ganarse un Posteo. Hablamos de la famosa pelicula Cloudy With a Chance of Meatballs la cual, dirigida por Chris Miller, fue estrenada en los cines latinoamericanos bajo el nombre de Lluvia de Hamburguesas y Lluvia de Albóndigas en España.

La historia (Basada en el libro infantil de Judi Barret publicado en 1978) es puntuada bajo la musica de Mark Mothersbaugh, quien sugiere piezas de orquesta bastante adaptables a la "acción gastronómica" del film. Mothersbaugh, quien trabajó en la famosa banda Devo, ha colaborado en una gran cantidad de peliculas en materia de composición musical como lo han sido The Royal Tenenbaums, Lords Of Dogtown o Happy Gilmore. Así mismo ha colaborado con temas principales en incontables series como Rugrats (Aventuras en Pañales) y Beakman's World (El mundo de Beakman) y ha dado vida a Video Juegos como la serie de Crash Bandicoot, la segunda entrega de The Sims o la serie de Jak and Dexter.

La parafernalia se muestra fuerte, casi más fuerte de lo debería ser por el tema de la pelicula. Un primer tema del personaje principal le da ese toque de fuerza y de riesgo, todo dentro de aquella comicidad propia de un film para niños. No obstante, Mark Mothersbaugh plasma de manera simple pero eficaz la presencia del científico loco, de la aventura y el descubrimiento, de la ciencia y los valores familiares, del romance y la inocencia, sin dejar escapar algun otro de los sentimientos mostrados en la animación.

FD

Aqui tambien os dejo a los seguidores la muestra, el album compuesto por 33 canciones, dentro de las cuales se encuentran dos canciones mostradas en el film como una propuesta alternativa: Miranda Cosgrove (artista de Nickelodeon's iCarly cantando su single Raining Sunshine) y Leslie Gore (cuya canción Sunshine, Lollipops and Rainbows fue el exito #13 del Billboard de 1965).

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el Jefe Maestro orquestado: Halo 3 ODST Soundtrack

2009-10-25T10:12:00.001-07:00

Para comenzar con los buenos artículos, me pareció interesante hablar del género gamers, el cual ha ido creciendo en popularidad con respecto a las composiciones musicales que se están realizando en los video juegos. y qué mejor entrada que la de Halo 3 ODST, juego realizado por la empresa Bungie Studios para la consola Xbox 360.

la banda sonora fue realizada por los compañeros de Universidad y grandes amigos Martin O'donnell y Michael Salvatori, quienes han creado las versiones musicales de las anteriores entregas del juego. para la representación de la tercera parte, Salvatori describió una puesta en escena "menos épica y más oscura" en cuanto al sentimiento de la musica.

A pesar de que estos colaboradores no tienen un alto nivel de experiencia en las bandas sonoras (solamente a nivel académico), logran captar un aura de grandiosidad y terror entre las pistas del album. Sabemos que como la gran mayoria de los soundtracks de juego la musica puede sonar un poco monótona y ambiental y no obstante, esta pieza puede ser una gran excepción. una buena recomendación para aquellos que disfrutan de toques de valor, terror, aventura y hasta sigilo en algunas ocasiones. Resumiendo la encomienda de Salvatori y O'Donnell, el Masterchief puede descanzar tranquilamente escuchando la musica que narra sus aventuras y desventuras.

Si estáis interesado en oir o coleccionar la musica, os recomiendo el link con el album completo, que consta de 2 discos:

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espero os guste,
FD

Un Abreboca: La Lista

2009-10-23T21:48:00.001-07:00

Para comenzar con nuestra demostración de fantasía y elegancia en cuanto a las Banda Sonoras se refiere, me pareció Menester el uso de una primera lista, la cual solamente llamaré La Lista. en ella incluire a los más conocidos (y no tan conocidos) compositores musicales que se establecen en nuestra época y un poco más atrás dentro de los films que recorren nuestra mente. Aquí tendremos un Menage a Tous entre el terror, la comedia, la acción, la aventura, el romance, etc, etc, etc.

Entre los cientos de compositores, podemos nombrar:

John Williams
(Indiana Jones, Schindler's List, Jurassic Park)

Danny Elfman
(Edward Scissorshands, Nightmare Before Christmas, Wanted)

Michael Nyman
(Gattaca, The Piano, Ravenous)

Michael Kamen
(X-men, The Iron Giant, Die Hard)

John Ottman
(Superman Returns, Valkyrie, Fantastic Four)

Hans Zimmer
(The Last Samurai, The Dark Knight, Angels and Demons)

James Horner
(Troy, The Bicentennial Man, A Beautiful Mind)

John Powell
(Bourne Ultimatum, Jumper, Happy feet)

Clint Mansell
(Doom, Requiem for a Dream, Moon)

Dario Marianelli
(V for Vendetta, The Warrior, Pride and Prejudice)

David Arnold
(Quantum of Solace, Independent Day, Stargate)

Michael Giacchino
(Star Trek, Ratatouille, Speed Racer)

Harry-Gregson Williams
(Kingdom of Heaven, The Chronicles of Narnia, Man On fire)

James Newton Howard
(I am Legend, Lady in the Water, Atlantis The Lost Empire)

John Debney
(The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor, Passion of the Christ, Zathura)

Klaus Badelt
(Ultraviolet, Beat the Drum, Premonition)

Marco Beltrami
(Hellboy, Terminator 3: Rise the Machines, Knowing)

La lista termina por ahora, pero les aseguro que habrá otras aún más largas, puesto que faltan algunas otras docenas o decenas de artistas dedicados a tan hermosa labor como lo es darle vida a los 8mm mediante instrumentos.

La Banda Sonora Minimalista ha sido Inaugurada!!

2009-10-23T21:26:00.000-07:00

Abierto!!! en este blog encontrarás todo lo necesario si quieres saber de la música que llena de sentimiento las escenas de tus peliculas favoritas!!! artículos, reportes especiales, comentarios, críticas y links.

Tanto si eres un fanático de los soundtracks como mi persona o un afanoso conocedor. Aún y si eres un inexperto en busca de la musica de tu vida, aquí encontrarás el camino. Bienvenido a la Banda Sonora Minimalista.

Desde terror hasta aventura, musicales y demás podrás verlos aquí en BSM.